viernes, 8 de diciembre de 2017

Mercedes Sosa - Navidad Con Mercedes Sosa (1970)



Al igual que cada año LGV no rompe con su habitual costumbre de vestirse de Papá Noel y publicar una entrada con un álbum navideño. Para esta ocasión, el turno de la madre de nuestro folclore Argentino, la gran Mercedes Sosa, con esta, su visión tan diferente de este especial momento del año: la navidad vista y contada desde el cono sur. Fue necesario nutrirse de un buen puñado de compositores, poetas y escritores, a saber: Ariel Ramirez, Félix Luna, el recientemente fallecido Daniel Viglietti, Miguel de Unamuno y muchos más. Su canto hondo, festivo, doloroso, humilde a la vez, pero sobre todo perdurablemente eterno, nos describe una buena cantidad de historias navideñas acompañadas por varios de los ritmos que nos ofrece nuestro folklore, zambas, bagualas , chacareras y su especial predilección por las canciones de cuna.

Luego de su primer gira internacional en el año 1969, Mercedes graba un LP mas que importante en su carrera bajo la dirección de Ariel Ramírez, el fundamental "Mujeres Argentinas", que reúne piezas al día de hoy clásicas del folklore nacional, como "Juana Azurduy", "Rosarito Vera, maestra" y "Alfonsina y el mar", todas con letra del historiador Félix Luna. Al año siguiente vendrían dos discos importantes más para "La Negra", "El grito de la tierra" que contenía las populares "Canción con todos" y "Cuando tenga la tierra" y el presente aqui "Navidad con Mercedes Sosa". A su única y cálida voz se le suman para la grabación del LP,  la guitarra de Kelo Palacios y la orquesta dirigida por Óscar Cardozo Ocampo.

Esa particular visión autóctona, patriótica y sureña de la navidad, no se nos hace esperar y desde el comienzo nos deleitaremos y nos daremos un espacio para meditar, escuchando "Navidad En Verano" de Félix Luna y música de Ariel Ramírez. Una original manera de cantarle y contarle al mundo los aires navideños desde su lugar: "Mi navidad está metida en el verano no tiene pino ni la nieve le da luces, mi navidad con el calor va de la mano...". Es realmente significativo como el canto de Mercedes sobre la navidad se encuentra fuertemente relacionado al "nacimiento" y al "niño". De ahí a tantas canciones de cuna, por supuesto. Pero sobretodo como se asocia a la pobreza y a la humildad del niño que debe cargar "la cruz", como por ejemplo, claro está, en "La Cruz Del Niño" (de Cerretti y el pianista y contrabajista argentino Oscar Alem, recientemente fallecido, el 26 de noviembre de este año) o la humilde historia de noche de reyes en "Negrita Martina" del compositor uruguayo Daniel Viglietti.

De el doctor en Musicología, Sergio Aschero y poesía de Don Miguel De Unamuno, la única y exacta "La Media Luna". Canción de cuna por excelencia, musicalmente de una delicadeza pocas veces escuchadas, el oboe y violín saben entenderse a la perfección. Su garganta no le escapa al grito de protesta , de lamento y desamparo con una mirada en retrospectiva de "1970 Navidades". Su voz se traslada a través de los siglos, haciendo recuento de las penurias que ha pasado la raza, ya sea por la guerra, el hambre o como bien lo dice el desamor. Pero no son solo penurias su canto, "Ay para Navidad" con bombos y flautas acompañan la alegría de este "bailecito-villancico" de Sergio Villar. En realidad, Villar se había dejado influenciar por el "chuntunqui" que es la música navideña tradicional del departamento boliviano de Chuquisaca. Danza Navideña que se ejecuta delante del Pesebre. Otro de los momentos mas elocuentes de esta única navidad junto a Mercedes, lo hallaremos con la bagualesca "Navidad 2000", de suprema orquestación y un canto irrevocable. Con un despliegue parecido a "1970 Navidades", Mercedes juega a ver con una mirada futura para encontrarse a un mundo igual :..."el mundo está viejo...", aun así, nos deja la esperanza intacta: ..."pero el niño no...". Y tambien, claro esta, le canta a los merecimientos de una raza que ha luchado por lo suyo y merece ver con esperanza lo hermoso de la Navidad:..." Larga fue la lucha por volverle a ver. Porque esté en nosotros por estar con él. Por tener un cristo con pan y alquiler. Un dios con trabajo, con niño y con mujer... ".

De Manuel José Castilla y Gustavo "Cuchi" Leguizamón uno de los mas populares y nostálgicos villancicos argentinos: "La Navidad De Juanito Laguna". Inspirada por supuesto en el óleo sobre arpillera del mismo nombre, de 1961 del célebre pintor, grabador y muralista argentino Antonio Berni. Lo podremos apreciar por supuesto en la tapa de este álbum. La misma forma parte de una serie pinturas sobre dos personajes creados por Berni, Juanito y Ramona. Juanito Laguna nace a finales de los años 50. Crece en la pobreza, en uno de los barrios más miserables del arrabal bonaerense. Ramona Montiel es también de barrio porteño, el de Pompeya. Joven y bonita, Ramona sobrevive a base de coser. Ella se deja seducir por lujos gracias a un selecto "circulo de amigos" donde pertenecía. Berni, de alguna manera, con estos dos personajes plasma toda la realidad de una época en la Argentina y sin querer, por que no, Juanito representaría el folclore y Ramona el tango. Berni escribiría sobre el niño: "Juanito es un chico pobre, pero no un pobre chico, uno de los personajes más entrañables del espectro social latinoamericano de su época". Ramona, sin embargo, es su contraparte femenina, una chica de arrabal, como surgida de una letra de tango, a través de la cual el artista sondea las diferentes presiones sociales que recaen sobre la mujer. "La Navidad De Juanito Laguna" entonces, describe la más humilde de las navidades alrededor de la familia de Juanito. Si observamos la rústica pintura de Berni, seguramente reconoceremos parte de la letra.  El padre, la madre, la abuela, el pan dulce, el arbolito (con una vela encima, por que esta navidad "no tiene luz") y los hermanitos jugando.

"Navidad y Después", otra de las mas dolidas y de protesta. Otra vez la voz de La Negra Sosa se mete en el túnel del tiempo :.." Por la herida de tu mano yo viví tu navidad... Qué grande y pequeño era el hombre, tu signo y fin. Hambriento de ideas nuevas y dio de sombra y perfil...". Con un costado parecido a "La Cruz del Niño", "Canción de Cuna Navideña" hace una dulce comparación entre el niño que se arrulla con el niño de la navidad. "Diciembre, diciembre" en último lugar cierra el álbum, otra canción de lamento, con esa mirada en retroceso, ante las mutilaciones y dolores de una raza que ha sufrido las calamidades,de la guerra: "Mi chico dormido no sueña ni canta. La guerra sin ojos con fuego lo abraza. No vengan cantando canciones de guerra. Canciones de cuna precisa mi tierra..."

La eterna voz de la Negra, que siempre ha ejercido este oficio como el respirar, era innato en ella, nos invita a pasar una navidad distinta, auténtica. Siempre con ese afán que la llevo hacer cosas tan puras y simples como lo es su propio canto. Esta vez celebra el nacimiento con la naturalidad del arrullo de la canción de cuna, la copla norteña, entre otros entrañables sonidos de nuestro queridisimo folclore.



Lista de Temas:

1. Navidad en verano (Félix Luna - Ariel Ramírez)
2. La cruz del niño (Hamlet Lima Quintana - Óscar Além)
3. Negrita Martina (Daniel Viglietti)
4. La media luna (Miguel de Unamuno - Sergio Aschero)
5. 1970 Navidades (Irma Calot - Héctor Pérez)
6. Ay! para navidad (Sergio Villar)
7. Navidad 2000 (Antonio Nella Castro - Hilda Herrera)
8. Canción de cuna de la torcaza (Luis Franco - Víctor Gentilini)
9. La navidad de Juanito Laguna (Manuel José Castilla - Gustavo Leguizamón)
10. Navidad y después (Roberto Margarido - Raúl Mercado)
11. Canción de cuna navideña (Aníbal Sampayo)
12. Diciembre, diciembre (Leonardo Castillo - Ángel Ritro)



Download | Descargar




Otros posts navideños de LGV:

Chris Squire's Swiss Choir (2007)
Jethro Tull - The Jethro Tull Christmas Album (2003)
38 Special - A Wild-Eyed Christmas Night (2001)
Trans-Siberian Orchestra - Christmas Eve and Other Stories (1996)
Trans-Siberian Orchestra - The Christmas Attic (1998)
Jon Anderson - 3 Ships (1985)
Ringo Starr - I Wanna Be Santa Claus (1999)
Willie Colon - Asalto Navideño Vol. 1 (canta: Hector Lavoe) (1970)
Willie Colon - Asalto Navideño Vol. 2 (canta: Hector Lavoe con: Yomo Toro) (1973)






domingo, 19 de noviembre de 2017

Banco Del Mutuo Soccorso - Darwin! (1972)


Otra de las grandes bandas del preciado RPI (Rock Progresivo Italiano) es sin dudas Banco Del Mutuo Soccorso. Junto a bandas como Premiata Forneria Marconi (PFM), Le Orme, Area, New Trolls, Museo Rosenbach, Il Rovescio Della Medaglia, entre muchas otras màs, contribuyeron como respuesta al genero sinfónico progresivo británico (Yes, Genesis, Pink Floyd, ELP, etc.) tan de moda de los años 70´s. Injustamente, Banco no gozo de tanto éxito a nivel popular y fuera de Italia como PFM (con quienes luego compartiría el sello Manticore Records) pero ha dejado una importante huella en el genero, como así también obras maestras (y de concepto) inolvidables como el presente "Darwin!" o "Come in un'ultima cena" de 1976 que luego fue grabado en ingles como "As in a Last Supper", por nombrar tan solo otra. Musicalmente están mas cercanos a ELP con un nivel compositivo impecable y obviamente gracias a el gran virtuosismo de sus músicos, como el genero bien lo demanda. Otro aspecto significativo, cabe señalar es  que la banda en su sonido encierra toda la sensibilidad mediterránea y las diversas tradiciones académicas y melodramáticas italianas, sumadas a el momento histórico al que responden muchas bandas del progresivo sinfónico, creando una mixtura exquisita y única en su estilo.

Banco se origina en Roma, en 1968 cuando el pianista Vittorio Nocenzi llama a su hermano y también tecladista Gianni, al guitarrista Franco Coletta, al bajista Fabrizio Falco y al baterista Mario Achilli para una prueba de audición para la RCA. Así se quedaba formada la primera alineación de BMS. Después, ya entrados los años 70´s durante el segundo Festival Pop de Caracalla celebrado en Roma, los hermanos Nocenzi se hicieron de los servicios del guitarrista del grupo Fiori Di Campo, Marcello Todaro, del vocalista Francesco Di Giacomo, del bajo de Renato D'Angelo y del bata Pierluigi Calderoni que habían tocado para el grupo Le Esperienze. Así poco tiempo después grabaron su primer LP homónimo, "Banco Del Mutuo Soccorso", excelente carta de presentación de la banda que no quería perder el tiempo en dar a conocer sus intenciones. Un tema memorable de aquel disco seria por ejemplo "R.I.P. (Requiescant in pace)" Tal fue su aceptación que pocos meses después graban para el mismo sello Ricordi su segunda placa "Darwin!" uno de los primeros trabajos conceptuales de el rock italiano. Ahora si, con serias intenciones, inspirándose en Charles Robert Darwin y su teoría de la evolución de las especies, aparecida en su obra "El origen de las especies"(1859). La banda hizo evidente su visión marxista de la historia. Pues los miembros de Banco, en 1972, eran miembros del PCI (Partido Comunista Italiano).

"Darwin!" comienza con la ambiciosa "L'Evoluzione" una especie de mini suite de casi 14 minutos. Una genialidad, exhibe cual es la esencia sinfónica progresiva de la banda en formacion: estructuras que se rompen constantemente y mucho cambio de tiempo y compás. Los hermanos se lucen con todo instrumento de teclado que podían tener a mano, desde hammonds y sintetizadores hasta el uso de gran piano y sobretodo el clavicémbalo. El comienzo de "L'evoluzione" tan rítmico y característico, nos eriza la piel con unos acertados punteos de guitarra que recuerdan mucho al "Echoes" de Pink Floyd salido un año antes. Luego la voz de Di Giacomo impregna todo, para ya adentrarnos a una incandescencia sinfónica progresiva única hasta entonces. Y allí esta la postura de Darwin y de BMS sobre la evolución. Ya desde canto inicial y único de Di Giacomo que dice: "Pruébalo, prueba, intenta pensar un poco diferente, ninguno de los grandes fue fabricado. Pero la creación ha sido creada por sí misma: células, fibras, energía y calor!!...". Y luego, mas tarde, por supuesto, la contraposición a "el gran libro": "...Y si en el fósil de un cráneo atávico se redescubren formas que se parecen a mí, entonces Adán ya no puede existir...solo siete días son pocos para crear... Adán ha muerto y mi Génesis no son hombres, sino cuadrumanos.". Esa furia sinfónica progresiva, sin dudas termina de explotar con la mas que excluyente "La conquista della posizione eretta". Sublime pieza en donde el papel de la música es el total protagonista. Solo nos resta escuchar el precipitado, incidental y turbulento comienzo, con sonidos que parecen instantáneamente contener y atesorar imágenes de un primate evolucionando a medida que transcurren los minutos de la canción.  "La conquista della posizione eretta" no es otra cosa mas que la metáfora del esfuerzo de la naturaleza humana por alcanzar su propio estatuto: "...si la curva es mi espalda, podría jalar mi cuello sobre las hojas y mantener el cuerpo opuesto al viento. Intento y me caigo y trato y me mantengo... por un momento...". Después de casi 6 minutos de pasajes instrumentales, destacándose las cortinas de teclados y buenos fraseos de guitarra de Todaro, pero sobre todo el timbal Pierluigi Calderoni que pese a que son fugaces los toques de el mismo, están tan sublimemente colocados y tan ligados al concepto, que merecen todos los aplausos, aparece la voz de Di Giacomo. Mientras va cantando las estrofas va subiendo de tono hasta que un repentino viento la hace desaparecer (el viento se oye realmente).

Momento sumamente jazzero supone ser la "Danza dei grandi rettili" ("Danza de los grandes reptiles"). Instrumental con algún que otro guiño a Jethro Tull. "Cento Mani E Cento Occhi" comienza con furiosos sintetizadores. El tema oscila entre el virtuosismo de los teclados y varios fragmentos de improvisación. Se centra en la creación y el comportamiento de las comunidades primitivas: "La presa es tuya y por lo tanto, tuya es la comida. Cien manos es mi fuerza... Y cien ojos nos hacen guardia..."

Otro momento álgido de "Darwin!" es la bellísima elegía, "750.000 anni fa...l'amore?". La operística voz de Francesco acompañada por el monumental piano de cola de Gianni Nocenzi, es de lo mejor que canta en todo el álbum. Esta intensa balada de costado romántico escapa de las convencionalidades de las mismas, ubicandolas en el plano conceptual que el álbum requiere: "Cuerpo que yace a la sombra de las caderas anchas en las que habito. Estoy aquí para verte que me posees y te poseo... Pero realmente soy un mono sin razón, sin razón, sin razón, en una estampida de monos. Un mono, un mono sin razón que huye, que huye..." Llegando al final... "Miseria de la filosofía" (Marx), "Miseria del historicismo" (Popper). Y aquí "Miserere alla Storia", BMS nos regala una pieza apocalíptica, como lo es  "Miserere Alla Storia". El tema comienza como si viniera continuado de otro y, muy caótico, para amansarse dando lugar a una extraña sección de clarinete,  guitarra acústica y teclados. Hasta que irrumpe la voz de Di Giacomo en plan diabólico dejando mucho que pensar en su cita: "Gloria a Babel!! la Esfinge se ríe por milenios. Se fabrica en el fino cielo Sirio, espuma de los caballos en la Vía Láctea, pero ...¿Cuánta vida tiene todavía tu intelecto? ¿si detrás de ti desaparece tu raza?. Luego la canción se torna en un rock ligero para que en la coda haya otro pasaje de misteriosos clarinetes. El final lo señala "Ed Ora Io Domando Tempo Al Tempo Ed Egli Mi Risponde ... Non Ne Ho!" ("Y ahora le pregunto el tiempo al tiempo, y el me responde... No lo tengo!") que comienza con un ruido de silla mecedora rechinante, para darle paso a una melodía de tono gracioso con aires a feria o a kermese. Se destaca una vez mas la ejecución del clavicémbalo en manos de Vittorio Nocenzi. Esta pieza deja una impresión mucho mas positiva que su predecesora. Representa la moral y menciona quizás otro paso de la evolución ya que repite varias veces a "la rueda": "La rueda pesada gira fuertemente, lento en su fisgoneo... La rueda va... el golpe nunca lo pierde... Ah rueda gigante!!... Entonces, ¿por qué piensas en mí? Si en tu girar mi mente entonces frenará..."

Excelente album de culto, de los favoritos e imprescindibles de los fans del genero. Para el oyente desconocedor de el rock italiano de los 70´s , seria un puntapié ideal para introducirlo en el genero y atraparlo para siempre. Forma parte de la trilogía obligatoria de Banco que comenzó ese mismo año con su debut discográfico "Banco Del Mutuo Soccorso" y cerró al año siguiente con el gran "Io sono nato libero" (1973). "Darwin!" fue elegido en el año 2000 por el sitio Gnosis entre 60.000 candidatos como el mejor de los discos de rock progresivo/experimental grabados hasta entonces. Luego de cumplir 40 años, en 2013, se realiza el proyecto "Darwin l'evoluzione?" ("¿La evolución de Darwin?") utilizando el álbum original como banda sonora, representada por 145 artistas de todas partes de Italia con una ópera rock inspirada en la prehistoria. Banco continuo en carrera durante las siguientes décadas, dejando en el camino a varios integrantes y grandes trabajos como "Garofano rosso" (1976) o el último de estudio y en vivo el doble "Nudo" (1997). El carismático Francesco Di Giacomo supo también dar a conocer sus dotes como actor de reparto, por ejemplo en la famosísima película "Amarcord" (1973) ("Mis Recuerdos") de su amigo y director Federico Fellini, aparece como guardia de seguridad en la parte del "Grand Hotel de Rimini". Ya había aparecido años antes en tres films mas del monumental Fellini: "Satyricon" (1969), el documental "I Clowns" (1970) y "Roma" (1972). Su voz se extinguió para siempre el 21 de febrero de 2014 en un accidente de transito mientras conducía su automóvil en la localidad de Zagarolo, en Roma. Tenia 66 años. El funeral, con un rito de laicos, tuvo lugar en el Palazzo Rospigliosi. Actualmente Banco continua en actividad siendo el tecladista Vittorio Nocenzi el único miembro original de la banda.

Formación:

Francesco Di Giacomo - voz
Vittorio Nocenzi - organo Hammond, clavicembalo, sintetizzator moog
Gianni Nocenzi - piano, clarinete
Marcello Todaro - guitarra electrica, guitarra acustica
Renato D'Angelo - bajo, contrabajo
Pierluigi Calderoni - bateria, timbal


Lista de Temas:

1. L'evoluzione
2. La conquista della posizione eretta
3. Danza dei grandi rettili
4. Cento mani e cento occhi
5. 750.000 anni fa...l'amore?
6. Miserere alla storia
7. Ed ora io domando tempo al tempo ed egli mi risponde...non ne ho!


Download | Descargar









viernes, 27 de octubre de 2017

Leño - Leño (1979)


El álbum homónimo de Leño es su importantísimo debut de 1979 y el mas rockero de su efímera carrera. Banda madrileña liderada por el carismático cantante y guitarrista Rosendo Mercado. Con un elocuente hard rock, recicla el género de los 70´s y abre paso a un gran número de bandas de alli en adelante. Los orígenes de Leño se remontan a lo que se dio a llamar "rock urbano" en España. Aquel fue un especial periodo en ese país, lo que se dio a llamar "la transición española", momento en el cual comienza a dejar atrás el régimen dictatorial del general Francisco Franco.

El sentido interés de Rosendo Mercado por la musica comenzo ya de chico cuando su abuelo le regala su primera guitarra. En su adolescencia formó varias bandas como La Patata Química, Yesca (grupos con amigos del colegio) o Fresa, siendo la mas importante Ñu con quien llegó a telonear a los famosos Dr. Feelgood en el Pabellón del Real Madrid. Tras disolverse Ñu,  Rosendo reúne a un antiguo compañero de Fresa (Chiqui Mariscal) en bajo y al ex-batería de Coz (grupo del que saldrían los Barón Rojo) Ramiro Penas, y el día 12 de Febrero de 1978 debutan en el Alcalá Palace teloneando a otra leyenda del rock español: Asfalto. En Mayo del mismo año sale a la luz su primer sencillo, “Este Madrid / Aprendiendo a Escuchar” (Chapa, 1978). El nombre de la banda alude a los comentarios que José Carlos Molina hacia Rosendo surgidos en los ensayos de Ñu "las canciones que haces son un leño, tío" decía José Carlos. Aunque José Carlos cuenta otra versión "Bueno, Leño lo formé yo, y el nombre me lo inventé yo. Y es que cada vez que hacía una canción heavy, como la introducción de "Este Madrid", que es mía, Rosendo decía "¡vaya leño de canción que has hecho!".

Fue así que en 1979 estos inexpertos muchachos entran en estudio para grabar este LP debut, con un hard rock más fresco,  muchos y extensos pasajes instrumentales, riffs con bajos memorables y remarcados, incontables solos de guitarras y dosis de progresivo. Así y todo la frescura de este rock duro de Leño, cierra una puerta a esa década regida por un millar de bandas de este estilo, para que luego en discos posteriores dejarse seducir a todo trapo con la denominada "new wave". Aquel naciente "rock urbano" y underground comenzaba a constituirse con las letras de denuncia social y sarcasmo marca registrada de Rosendo, que sin ninguna duda nos ayudan a colocarnos inteligentemente y a la perfección en ese interesante contexto histórico. No habiendo terminado la grabación de este primer LP, Chiqui Mariscal abandona el grupo (regresaría a Ñu) dejando vacante el puesto de bajista por motivos que todavía hoy son desconocidos. Este hecho se ve reflejado en la portada de este primer álbum, en la que se ve la figura de Chiqui saliendo de escena y por la izquierda aparece su sustituto entrando: Tony Urbano, quien solo grabaria el bajo en "El Tren".

De entrada ya nos pondremos patas para arriba con "Castigo" uno de los mejores temas de la banda. Una canción que demuestra la grata influencia de bandas como Cream o Ten Years After. En una primera apreciación nos da la idea de que es netamente instrumental con extrañas distorsiones y efectos, pero en mitad de este río eléctrico, Mercado canta dos simples estrofas, para luego seguir el curso frenético de la canción. Inmediatamente como un toque de llamado a la caballería, aparece la brutal "El oportunista" que describe irónicamente lo que era ese comienzo de las tribus urbanas en Madrid ("Me he clavado un alfiler en el pescuezo. Me he juntado con los punks, soy un moderno ..."). Y precisamente critica ferozmente a aquellos oportunistas que dicen no seguir la moda pero en realidad se limitan a seguir una moda menos masiva: "... por dentro me pregunto si duraré mucho no será que estoy quemando mi último cartucho. Porque a decir verdad no soy auténtico y engañar al personal es muy polémico.".

"El Tren" uno de los momentos mas espeluznantes y superlativos de el disco. Esa letra tan existencial impone la filosofía de Rosendo a flor de piel con el plus de un un riff blusero cálido e inolvidable. La guitarra, pero sobre todo el bajo se llevan todos los premios, una muestra de lo bien que encajò Tony Urbano. Pasando la mitad del tema hay una aceleración de ritmo donde Rosendo se florea con excelentes punteos, para luego volver a el tiempo inicial donde se suma una armónica a cargo de  Teddy Bautista quien también se encargó de los teclados. La canción existe desde los primeros tiempos de Ñu coescrita por José Carlos Molina y Rosendo, y fue grabada por ambos grupos. Es inevitable caer en el lugar común de que "El Tren" se refiere a el "tren" o "el viaje"de las drogas sobre todo los llamados "tripis" (LSD), pero queda relegada esa idea a cada escucha en particular. El costado más "heavy metal" la ubicamos en "Este Madrid", en los créditos no figura pero el propio integrante de Ñu, Jose Carlos Molina, se adjudica la composición de esta intro tan pesada, con gran influencia de Black Sabbath. La letra describe el Madrid de por entonces, las drogas, la ausencia de aire puro, los pocos espacios vacíos para el crecimiento urbano... Mercado despotrica contra la capital ruda e irónicamente: "No hagas caso a esta canción pues todo es mentira. Lo que falta es un buen bidón de aire puro y natural... Y de cerveza... de tocino y de salchichón... Es una mierdaaa este Madriiiid!!!!, que ni las ratas pueden vivir!!!". Sobre el final Teddy Bautista nos deja saborear unos buenos arreglos de teclado.

La impronta "sinfónica-progresiva" se da en "La Nana", la canción sin letra, son solo "nananas" cantadas por Chiqui Mariscal, con teclados lánguidos emulando un slide, y hasta se torna dulce, sin empalagar demasiado. Un viaje psicodélico, con tintes al "space rock" británico. Al momento que aparecen unas guitarras acústicas, la canción entra en un relive ultra rockero y muy acelerado, con potentes riffs y un gran juego blusero. Una vez mas las guitarras acústicas marcan la pauta para el final de la canción con los "nanananas" una vez mas. Todo vuelve a agitarse con la desenfrenada "Sodoma y Chabola" con aires a Rush o a Motörhead, por que no. Unos riffs otra vez para la historia , gran trabajo del bajo, excluyentes cambios de ritmos, de lo mejor del álbum. Con letra de Maria Fernanda de Andrés, (quien luego colaboraría en el álbum siguiente con la letra de "Cucarachas") otra vez Rosendo le canta a la sociedad de por entonces, esta vez con con una lirica mas surreal o mas sucia si se quiere. El final goza de un cálido paisaje campestre, el bello instrumental "Se acabó!!!", una inspiradisima pieza acústica íntegramente de Rosendo.

Un disco clásico y legendario, con sabor a imprescindible. Lo produjo Teddy Bautista quien también, como habíamos dicho antes, supo manejar provechosamente los arreglos tanto de armónica como de teclados. Les dio un gran empujón. Gracias a este debut, Leño comenzó a participar en varios festivales y conciertos en importantes ciudades de España. En esos nacientes años 80´s era esperanzador el panorama para las bandas de entonces, sobre todo por los festivales en que la participaban alrededor de todo el país, junto con  Coz y Ñu también de Madrid,  Bloque de Santander, y Smash o Storm de Sevilla, entre muchas más. Todo ese rock estaba en esa misma frecuencia de lucha.

De estudio tendrían dos discos mas: "Más Madera" (1980) y "¡Corre, corre!"(1982) (grabado en Londres) y un interesante bootleg "En directo" (1981). Lamentablemente hacia el año 1983 en el momento mas alto de su carrera, la banda se disuelve. Este final fue recordado por la gira que hicieron junto a Miguel Rios: "El rock de una noche de verano". En octubre de 1983 dan su concierto final en el Parque del Oeste en Madrid. Las razones de la separación no están muy claras al dia de hoy. Algunas de ellas van desde que no querían masividad, problemas personales a tensiones internas y falta de respeto entre los integrantes, y mas. Pero hubo una especie de "comunicado oficial" que vociferaba: "habían llegado a un callejón sin salida a nivel creativo". Por su parte Rosendo iniciaría su mas que interesante carrera como solista. En 2010, con motivo del lanzamiento del álbum tributo "Bajo la corteza: 26 canciones de Leño", la banda se reunió en la Sala Caracol para dar un pequeño concierto de 5 canciones. De esa inolvidable presentación, abajo veremos la performance de "El Tren". En 2013 Leño se juntó por última vez en público en el Círculo de Bellas Artes de Madrid para el acto de presentación de la biografía "Maneras de vivir". Al año siguiente fallece Tony Urbano, dejando trunca toda posibilidad de una reunión mas de los Leño originales.



Personal:

Rosendo Mercado: guitarras y voz
Ramiro Penas: batería, percusión y coros
Chiqui Mariscal: bajo y coros
Tony Urbano: bajo en "El tren" y coros
Teddy Bautista: armónica y teclados



Lista de Temas:

1. Castigo
2. El oportunista
3. El tren
4. Este Madrid
5. La nana
6. Sodoma y chabola
7. Se acabó!!!


Download | Descargar





miércoles, 20 de septiembre de 2017

The Who - Who’s Next (1971)


La maqueta inicial de "Who’s Next" había sido pensada inicialmente como una opera rock, ya que el gran Pete Townshend quiso continuar con estos formatos de álbumes para los Who, debido en  parte a el espectacular éxito a nivel internacional que supuso la opera "Tommy" de 1969. El álbum se iba a llamar "Lifehouse", pero el ambicioso proyecto fue abortado. Sinembargo gran parte canciones escritas por el guitarrista, fueron compiladas en este disco pero sin un hilo conductor entre ellas. "Who's Next" terminaria siendo la quintaesencia de The Who. Muchos lo ubican como el mejor álbum de la banda como así también uno de los mas influyentes, frescos y mejores trabajos de la historia del rock, sobre todo por los creativos e innovadores métodos de grabación y la calidad en la experimentación que por entonces se utilizaron. Townshend tenia un nuevo juguete entre sus manos: los sintetizadores. Había dicho: "me gustan los sintetizadores, por que me ponen en la mano cosas que no tengo: el sonido de la orquesta, las cuerdas. Uno aprieta un botón y lo escucha al doble de velocidad.".

Eran fines de los años 60´s más precisamente 1969 y gracias al gran éxito de la opera rock "Tommy" Townshend decide seguir con el formato de "opera rock". Pete había declarado que su segunda opera rock "Lifehouse" seria una especie de opera futurista, un álbum conceptual grabado en directo como música de un proyecto cinematográfico. Lamentablemente en medio de la concepción de la misma, hubo una serie de cortocircuitos entre el y los otros integrantes y en especial con el productor de la banda Kit Lambret. La obra se comenzó a desarrollar en el teatro Young Vic en Londres. No se entendía muy bien, sus pasajes eran trillados y acompañado por la el descontento del público tras algunas performances de los temas en vivo en dicho teatro, lo que desemboca en que Lambert decidiera trasladarse con la banda a Nueva York y grabar en la Record Plant, un estudio que incorporaba grandes innovaciones técnicas. Muy influenciado por las vivencias y vibraciones que emitian las personas en las gira de "Tommy" lo que el músico buscaba lograr con "Lifehouse" era crear una música que pudiera adaptarse para describir las personalidades de la audiencia. Para hacerlo, él quería adaptar su nuevo hardware, los sintetizadores VCS3 y ARP y un PA cuadrafónico, para crear una máquina capaz de generar y combinar temas musicales personales de una data biográfica computarizada. Al final, estos componentes temáticos se fusionarían para formar un "acorde universal". Para ayudar este proceso, The Who harían que individuos de la audiencia subieran al escenario y encontraran un rol en la música. Él creía que las vibraciones se podían volver tan puras que la audiencia "se iría bailando hasta el olvido"; sus almas dejarían sus cuerpos y estarían en una clase de paraíso, un estado de nirvana o permanente de éxtasis. Mucho tendría que ver estas ideas con lo que la gran influencia religiosa que inducían a Pete a sumergirse en estos mares. Meher Baba, quien decía ser un avatar de Brahman y el filósofo Inayat Khan, un músico sufista que había escrito acerca de la conexión entre las vibraciones y el sonido con el espíritu humano. Tras quedar trunco este proyecto, como mencionamos antes, parte del gran numero de canciones que había compuesto Pete, quedaron relegadas para conformar "Who´s Next". A través de los años el guitarrista no se olvidaría de "Lifehouse" en absoluto. Por ejemplo entre 1971 y 1972, The Who lanzaron los singles "Let's See Action", "Join Together" y "Relay", que eran canciones que iban a ser parte de "Lifehouse". En 1975, se incluyó la canción "Slip Kid", originalmente escrita para "Lifehouse", en el álbum de The Who "The Who By Numbers".

En medio de este contexto histórico de la banda, se gesta este fundamental disco. Vale destacar que esos primeros años 70´s encontraban a los cuatro integrantes en quizás su mejor momento. Podemos afirmar con todo lo que suponía "Lifehouse" que Townshend estaba en un momento de máxima inspiración espiritual y creativa. El sonido de la banda comenzaba a llevar a su máximo esplendor un naciente hard rock con el plus de la experimentación, gracias a las infinitas preocupaciones de Pete en innovar con todos sus recursos tecnológicos. Un naciente rock progresivo dejaba acariciar a las canciones sin perder su raíz de R&B por supuesto. Roger Daltrey comenzaba a emparentar su carraspeada voz hacia el hard rock y las dos columnas rítmicas combinadas que proporcionaban las explosivas baquetas del irrepetible Keith Moon y los arácnidos dedos de el bajo de John Entwistle se encontraban más sólidas que nunca. Por cierto, este ultimo comenzaba ya a comprometerse mas también con su labor compositiva.

"Baba O'Riley" nos introduce a la obra como una verdadera declaración de principios por parte de Townshend. El nombre de la canción es una fusión de los nombres de los dos gurús del guitarrista la parte filosófica y espiritual de la mano de Meher Baba y las musicales minimalistas de Terry Riley. Ya el comienzo alerta lo que traía entre manos, una intro electrónica , toda una novedad para la época. Esta intro de sintetizador es una especie de mágica fuga a la que al poco tiempo un acorde de piano (tocado por Pete) comienza a guiar a los demás instrumentos a que se sumen, el ultimo es por cierto el acorde eléctrico del clásico "molinete  Townshend" de guitarra eléctrica que genera una especie de fusión entre lo electrónico y el hard rock. Los potentes ritmos de batería respaldados por sólidos y pegadizos riffs de bajo, dan paso a una ruptura repentina en la música, donde Pete canta con gracia "Don’t cry, don’t brace your eye. It’s only teenage wasteland". Lo peculiar de "Baba O'Riley" es lo remarcable de su estructura, lleva la delantera, da catedra de como debe ser un tema de rock. Al momento en que Daltrey grita " They are all Wasted!!!..." comienza un claro quiebre hacia el final sublime y esa inolvidable y acelerada coda de la canción. Keith Moon había propuesto la inclusión de un violín y asi fué, la canción entonces queda con claros aires irlandeses y por supuesto hindúes en homenaje a Meher Baba. El violín fue ejecutado por Dave Arbus y cuando se tocaba en vivo Roger susplantaba el violín por un solo de armónica. El concepto de la intro tan inmortal y característica de la canción encierra una buena historia y encausa, como gran parte de el disco, a reforzar y hacer mas recurrente el protagonismo de sintetizadores en la música rock. Townshend introdujo el año de nacimiento de Meher Baba en un sintetizador, el cual generó sobre la base de esa información, los acordes introductorios de la canción. Aquellos acordes habrían sido la música de fondo para "Baba O'Riley", pero finalmente, la secuencia frenética (que se asemeja al traqueteo de una rueda de ruleta) fue interpretado por Townshend en un órgano Lowrey Berkshire Deluxe TBO-1, instrumento que le dio la marimba repetitiva a la introducción. Dentro del mundo de la opera de "Lifehouse", "Baba O'Riley" se llama "Teenage Wasteland" iba a durar 30 minutos y seria utilizada como una canción cantada por el personaje Ray, un granjero escocés que en el comienzo del álbum se reúne con su esposa Sally y sus dos hijos para iniciar un éxodo a Londres. Pero es indudable que la letra remite a a la filosofía de Meher Baba , una lucha entre la decadencia espiritual y el no dejarse estar .

La existencial "Bargain" comienza con una pieza de guitarra acústica decorada con un efecto de volumen en la guitarra eléctrica. Instantáneamente se torna rockera con un enérgico Daltrey expresando el sentido del tema. No es mas que otro homenaje de Townshend a las enseñanzas de Baba acerca de la disolución total o parcial del ego y del desapego al mundo materialista: "Con mucho gusto me perdería para encontrarte. Con gusto dejaría todo lo que tengo .Para encontrarte yo sufriría cualquier cosa y estaría alegre" y bien el estribillo: "Yo diría que es una baratija lo mejor que he tenido.". Y luego de una forma parecida a "Baba O'Riley" es interrumpida  por un suave pasaje con el canto de Pete que vuelve a aludir con toda devoción a Baba: "I know I'm worth nothing without you" ("se que no valgo nada sin ti"). La canción vuelve a convertirse en un rock duro mediante un hilo conductor marcado por un pegadizo sintetizador ARP que sobre la coda del tema vuelve aparecer mientras vuelven a encontrarse las dos guitarras del principio. La armoniosa "Love Ain't for Keeping" una de las piezas acusticas mas recordadas de la banda. Gran armonía de las voces y grandes arreglos countrys para destacar. Iba a ser incluida "Lifehouse", habla una vez mas de el granjero escocés Ray y de la vida con su pareja en comunión con la naturaleza. Cantada y compuesta por el gran John Entwistle "My Wife" cuenta en tono de ironía la historia de un hombre que va a beber la noche de un viernes. Al no regresar a casa, su esposa asume que está con otra mujer (a pesar de que este fue arrestado en la realidad) y se enoja. La canción detalla posteriormente, los diversos modos en que el hombre trata de protegerse de su esposa, incluyendo la contratación de un guardaespalda y el escape en un auto. Al ser una composición totalmente del bajista, John ejecuta gran parte de los instrumentos. Ademas del bajo se luce con el piano y el corno francés. Cerrando lo que era la cara "A" de la versión en vinilo, "The Song is Over". Con la voz principal de Townshend pero con estribillo cantado por Roger Daltrey acompañado por la linda ejecución de piano a manos de Nicky Hopkins. Pete había declarado que era una canción con un aura de angustia y melancolía pero también con aire de optimismo (sobre todo en la parte cantada por Roger). Una canción de cambios de ritmos, con excluyentes trabajos de pianos y sintetizadores, y con un bajo para sacarse el sombrero, tan simple que es como un "plus" percusivo para para la versátil batería de Keith. Sobre el final cuenta con un fragmento de "Pure & Easy" canción que al año siguiente aparecería en el tercer álbum solista de Pete "WHO CAME FIRST (1972)", y años mas tarde en el disco "Odds & Sods".

Una de las grandes baladas que no podían pasar desapercibidas, "Getting Tune". El buen gusto de los Who en todo su esplendor. Voces amalgamadas que erizan la piel, la gran interpretación del piano de Hopkins, el bajo melódico de John una vez mas, más que excluyente, la dualidad entre esa suavidad de la balada en contraposición a la parte hard rock excelentemente lograda, un tema que comienza en plan tranquilo y va creciendo singularmente en intensidad. La letra parece advertir los problemas de los músicos a la hora de componer (quizás haya sido a propósito): "Estoy cantando estas notas porque encajan bien con los acordes que estoy tocando". El "country blues rock acustico" de Pete una vez mas a la orden del día con "Going Mobile". Aquí no solo es un simple blues, el guitarrista deja espacio a la experimentación, claro está. Vislumbramos toques de sintetizadores y efectos de guitarra. Se pueden escuchar los "wah - wah" y filtros entre desenfrenados ritmos de batería unicos. Como también formaria parte de la abandonada opera "Lifehouse", la letra evoca los sentires de la vida en la carretera  de el granjero Ray que junto con su esposa Sally y su familia, viajan al sur en su camioneta herméticamente cerrada.


El final de "Who´s Next" está marcado por dos himnos o clásicos de la banda y de los años 70´s, que han dejado sin duda algunas huellas en la historia del rock y la música, seguramente para siempre. Nos referimos a "Behind Blue Eyes" y a "Won't Get Fooled Again". La primera una inspiradisima balada otra vez con esa dualidad que venían demostrando con "Getting Tune", de suave comienzo y con una parte dura. Comienza con el suave arpegio de Pete con la voz de Roger a la que se le acompaña la voz del mismo y armonías vocales melancólicas pero únicas. Pasasada la mitad del tema se produce el quiebre a una atmósfera ultra rockera, donde si uno presta atención el riff de guitarra al final de esta parte, también es usado en la canción "Won't Get Fooled Again". La coda vuelve a la primer parte tristona. La canción por supuesto fue descartada de la opera estaba entrada en "el malo" de la historia, Jumbo. La letra es un lamento en primera persona de Jumbo, que siempre está enojado y lleno de angustia a causa de toda la presión y la tentación que lo rodea. Pero es obvio que es parte de lo que vivió Townshend por entonces. Era una expresión de tristeza y soledad a raíz de la presión que recibía el músico tras ser el foco creativo de la banda. Se ha versionado muchas veces, siendo quizás una de la mas recordada la de la banda Limp Bizkit en 2003. En la segunda, una vez mas Pete Townshend da rienda suelta a su obsesión por los sintetizadores. La intro es de un característico e hipnotizante pista de sintetizador. La compuso con dos teclados Lowrey Berkshire Deluxe TBO-1 de 1968, el sintetizador convertía los tonos del órgano de suaves a brillantes y de arriba hacia abajo de manera automática. En su comienzo es interrumpido por potentes acordes de la guitarra marca característica de The Who, que marcan la pauta para que comience el canto de Daltrey. En medio de un ritmo movido y bien rockero la batería con todas las luces, Townshend dibujando electrizantes solos y certeros riffs, mientras que Entwistle se pasea con su Fender Precision Bass que el mismo apodó "Frankenstein" y siempre detrás la envolvente "onda sintetizada".  Llegando casi al final la intensidad de los instrumentos disminuye para dejar a esta "onda" de sintetizador sola, para ser interrumpida por un inmortal solo de Moon, seguido por un largo grito de "Yeaaaaahhhh!!!!"de Daltrey dando un final atronador. Una canción única e inmortal para la historia del rock n roll. Pete critica la revolución y el poder poniéndose en un plano inamovible: "...No nos dejaremos engañar o tomar por tontos de nuevo..." y anteponiendo lo espiritual y musical, de ese momento en su vida , de ahí a un rock  con experimentación en sonidos y su conexión clave con Meher Baba. Bastante tiempo después declaró que no era una canción que condenara estrictamente a la revolución (de hecho la canción dice: "lucharemos en las calles")  pero que la revolución, como toda acción puede tener consecuencias que no podemos predecir. También aseguraría que: "No hay que esperar ver lo que esperas ver. No esperes nada y puedes tenerlo todo. La canción estaba pensada para que los políticos y revolucionarios por igual conocieran que lo que es central en mi vida no estaba en venta, y no podía ser asimilado por ninguna causa obvia.".

El disco tubo una grandiosa aceptación y éxito comercial fue considerado por varios críticos de por entonces como el mejor álbum del grupo. Robert Christgau, escribiendo en The Village Voice, lo denominó como "el mejor álbum de hard rock en años" y dijo que, mientras que sus grabaciones anteriores se veían empañadas por un sonido fino, el grupo "alcanza ahora la misma inmediatez resonante en el estudio que consigue en directo". Es mas que obvia la influencia y lo que ha significado en el rock este álbum. Marca el final de los 60´s para la banda... y claro para el rock tambien, por que da la casualidad que esta banda ha contribuido , por supuesto en la historia de este bendito genero. Sin buscar demasiado vemos cuando Pete dice "The song is over ", "la canción se ha terminado"... pero abrimos toda una nueva era detrás. La portada es otra genialidad, tomada en Easington Colliery, muestra a la banda aparentemente después de orinar en un monolito situado dentro de un supuesto basurero. La fotografía se ve a menudo como referencia al monolito descubierto en la Luna en la película "2001: odisea del espacio", que había sido estrenada sólo tres años antes. Pete Townshend declaró que era una respuesta irónica a Stanley Kubrick por su rechazo a dirigir la película de "Tommy". Un primitivo diseño de la portada había ofrecido fotografías de mujeres obesas desnudas, que nunca aparecieron en el álbum. Contó con una portada alternativa que mostraba a Keith vestido en lencería negra, sosteniendo un látigo de cuero y llevando una peluca marrón. La edición del álbum que obtenemos aquí es la "Deluxe" siendo un disco doble. El disco uno atesora los nueve temas originales con seis canciones mas, incluidas las versiones inéditas de "Gettin' in Tune" y "Won't Get Fooled Again" y el embrión de "Pure and Easy". El segundo es el concierto ofrecido por el grupo en el teatro Young Vic de Londres el 26 de abril de 1971 con alguna que otra perlita.



Lista de Temas:


Disco 1:

1. Baba O'Riley
2. Bargain
3. Love Ain't for Keeping
4. My Wife
5. The Song Is Over
6. Getting in Tune
7. Going Mobile
8. Behind Blue Eyes
9. Won't Get Fooled Again
10. Baby Don't You Do It (versión extendida) (Holland-Dozier-Holland)
11. Getting in Tune
12. Pure and Easy (versión alternativa)
13. Love Ain't For Keeping (versión eléctrica)
14. Behind Blue Eyes (versión alternativa)
15. Won't Get Fooled Again (grabación en New York)


Disco 2:

1. Love Ain't for Keeping
2. Pure and Easy
3. Young Man Blues
4. Time Is Passing
5. Behind Blue Eyes
6. I Don't Even Know Myself
7. Too Much of Anything
8. Getting in Tune
9. Bargain
10. Water
11. My Generation
12. Road Runner (Bo Diddley)
13. Naked Eye
14. Won't Get Fooled Again


Download | Descargar






miércoles, 21 de junio de 2017

Marillion - Brave (1994)


"Un puente no es un lugar alto"...

La primer obra maestra de Marillion de la etapa post Fish, es por supuesto "Brave" que es el tercer disco de la banda desde la entrada de este histriónico y maravilloso cantante Steve Hogarth. Luego de la ida de Fish, Marillion atravesó una leve disolución, hasta que posaron su mirada en este versátil vocalista que estaba más relacionado a la "New Wave" más que al rock progresivo que venían pregonando junto con Fish. Hogarth venía de la agrupación The Europeans, llegando para completar las maquetas que Marillion tenía previstas para el nuevo trabajo de esta nueva etapa "Seasons End" aportando esta impronta "new wave" que mencionamos. En 1991 vendría su segundo trabajo junto a la banda "Holidays In Eden", siendo el primero que escribió completamente junto a sus nuevos compañeros. Contenía un "pseudo hit" titulado "Dry Land", la cual Hogarth había escrito y grabado en un con proyecto anterior con la banda How We Live. Sinembargo esta influencia "pop" no terminaba de calar hondo en el sentimiento de los fans de Marillion. Es por eso que seguido a este álbum, decidieron embarcarse en este ambicioso trabajo de concepto y recuperando la faceta progresiva, en lineas generales lúgubre y oscuro, que terminaría hasta inspirando a una película y todo. Basado en una nota periodística que el cantante Steve Hogarth escuchó en la radio sobre una chica que es arrestada por la policía por estar vagando en el Puente de Severn, al parecer dispuesta a cometer suicidio. Steve escribió una historia ficticia basándose en sus suposiciones sobre la vida de esta infortunada chica quien estaba en estado de amnesia. Analizando el motivo de la cruel decisión de esta, Hogarth con la ayuda del letrista John Helmer (quien con este disco comienza una larga colaboración con la banda), hace un riguroso examen sociològico. En "Brave" vamos a encontrar un abanico de problemáticas tan comunes por estos tiempos: la contaminación ambiental los lamentos familiares, denuncias, criticas a la sociedad conservadora y de consumo, la violencia intrafamiliar, el abuso sexual y a esas personas que desvirtúan la práctica de la religión, entre otras hierbas.

¿Qué es entonces lo que nos plantea "Brave"?. Ya desde el génesis del álbum se deja entrever el tono del disco con la atmósfera densa de "Bridge", con el personaje de una depresiva chica que se planta al borde del puente para saltar al río en un acto suicida. "Bridge" es un planteo extremadamente cinematográfico, ruidos y elementos sonoros hacen lo suyo: el ruido de la brisa, el flujo del agua en el río, unos susurros femeninos casi hundidos en el más puro silencio, gaviotas, radares de policía, y las sirenas de los barcos de transporte acompañados por capas y capas de sintetizadores. Luego irrumpe la voz de Hogarth a solas con el piano de Kelly y hace un breve canto inicial describiendo el panorama: la chica al borde del suicidio, los flashes de las cámaras, la luz del amanecer entre la niebla y el rugido del tráfico que es levemente interrumpido por la radio de la policía, que intenta pedirle sus datos, a lo que ella se niega. De inmediato, como el carácter conceptual y dramático del disco lo reclama, se engancha convenientemente con el siguiente track, "Living With The Big Lie". Aquí se plasma como en un lienzo todo el dolor contenido de la muchacha suicida, como en un torbellino y con diferentes climas, expresa su situación mezclandola con su entorno, llegando hasta a globalizarlo en su contexto histórico. Claros ejemplos de esta dualidad en la lírica de Hogarth: "Los colores permanecen inmóviles. Y luego se mueven entrando y saliendo fuera de foco y al revés. Árboles de invierno vacíos. Cómo se siente el espacio. Amor de lo suave ... las flores y el cielo..." o bien :"El balbuceo de la familia y la TV muda .El rugido del tráfico y el trueno de los jets. Químicos en las aguas. Drogas en la comida. El calor de la cocina y el ritmo del sistema... La guerra fría se fue. Pero esos bastardos nos encontrarán otra. Están aquí para protegerte, ¿no lo sabes?..." Sinembargo hay resignación y por que no cierta aceptación sobre el final: "No creer en los líderes, los medios de comunicación que nos alimentan. Viviendo con la gran mentira, Te acostumbras. ¡Acostumbrarse a él!. Está bien, me acostumbré", lo que parece adentrarnos a un clima mas calmo para la siguiente cancion, "Runaway". Una bien lograda estructura de 3/4 , con un buen estribillo, describe el escape de casa de la chica . Otra problemática bien conocida en los 90´s: los adolescentes fugitivos.

"Goodbye To All That" es la suite infaltable, de cinco movimientos. Una gran demostración del talento inherente a nivel compositivo de la banda en conjunto. Lo inverosímil que les resulta conformar una bien lograda armazón de diversas ideas musicales dentro de un esquema coherentemente unitario. Antes de iniciar con los movimientos, hay una "reprise" de menos de un minuto de "Bridge" que evoca al momento en que buscan a la chica tras su aparente fuga.
Un perfecto relax para adentrarnos en un pasaje que conecta en manera "in crescendo" enganchando a el desenfreno de los dos movimientos siguientes, "Wave" y "Mad", en este último se luce un gran arreglo de Rothery para el recuerdo. Estos dos movimientos expresan parte de el frenesí de la chica: "Sé que siempre estoy cayendo del borde del mundo. Tengo espacio en mi cama. Tienes a Egipto en tu cabeza. Tengo una cabeza de Troya, arañas y a Carlomagno. Fuegos artificiales y juguetes... ". Luego "The Opium Den" y "The Slide" movimientos de carácter etéreo y en cierto modo como un opio musical, con la voz de Hogarth y de la chica susurrando, pinceladas de guitarras y buen acompañamiento de teclados. Estos pasajes instrumentales llegan a tornarse experimentales y su sutilidad llega a ser hasta sensual.  Sobre el final otro enganche "in crescendo" para llegar a el ultimo movimiento "Standing In The Swing" de corte pop con un final fuerte que da un excelente pie para la siguiente canción. "Hard As Love" un comienzo ultra rockero y contundente. Este comienzo hace pensar que hubiese sido planificada para convertirse en un hit radial. Pero la presencia de un interludio (que recuerda mucho al Marillion de la época final con Fish) por la mitad de la canción , nos hace pegar la vuelta hacia el concepto dramático del álbum. Se destacan los acertados riffs de Rothery y un excluyente solo de Hammond de Kelly. Pronto todo vuelve al estado crepuscular y tristón, con la lánguida y lacrimógena balada "The Hollow Man".  Hogart conmueve con su nivel de melancolía, con un acorde acompañamiento de piano al que luego se le añaden los demás instrumentos. De carácter netamente confesional, el torturado relato de Hogarth ha sabido perfectamente encajar en corazón desgarrado y oscuro discurso del disco: "Creo que me he convertido en uno de los hombres huecos. Como un brillo en el exterior más de estos días. Puedo sentir el exterior alimentándose de mi interior dejando una oscuridad creciente en su lugar. Creo que me he convertido en uno de los hombres huecos... Los hombres huecos pueden detenerte con un abrir y cerrar de ojos. Los hombres huecos pueden llevarte sin siquiera llegar. Los hombres huecos te tienen mucho antes de que te des cuenta. El veneno paraliza...".

"Alone Again In The Lap of Luxury" aporta la cuota "pop rockera" al trabajo, una de las mas recordadas. La letra de Hogarth, una vez más radica en la critica de ciertas problemáticas sociales. Como bien dice el titulo " a solas otra vez en el regazo del lujo", ofrece la cruda y fuerte visión de la vida familiar de la chica con abusos incluidos. Fuertes indicios de esto serían: "...mamá siempre fue una tonta por el dinero y el encanto..." o "...èl ha estado hablandome en sueños otra vez, diciendo que lo lamenta, llamando mi nombre. Diciendo lo avergonzado que está... Desde que ocurrió yo no tenia nada que decir, solía molestarles, pero ahora esta bien, mi madre limpia la espantosa casa de él todos los días, frotando las manchas que no van a desaparecer...". La version del video clip y que mas se comercializó es menos extensa. La incluida en disco es la original que incluye sobre el final el movimiento "Now Wash Your Hands", repasando una vez mas, las atmósferas mas etéreas de "Brave". "Paper Lies" de gran presencia hard rock, con cierto aires al llamado "soft rock" por que no al "rock industrial" y al denominado "AOR" (Adult Oriented Rock). Un momento movido, para alistarnos a el final super dramático que se trae entre manos el álbum.

Parte del el emotivo final comienza con el homónimo "Brave" que junto a "The Great Scape" tienen la ardua tarea del cargar con todo el drama emocional que la historia en si conlleva, y por cierto se la arreglan muy pero muy bien. "Brave", entonces, incurre en su máximo esplendor en toda la coloratura de la voz de Steve Hogarth.  Regida por capas y cortinas de diversos teclados, hallaremos una efusiva impronta bucólica y/o folk/celta gracias a la inclusión de flautas. Sobre el final se destaca un gran interludio bucólico, ayudado por sonidos y efectos de sonidos de la naturaleza, juegos guturales y vocales de Hogarth y extraños susurros de voces femeninas por detrás. Por cierto, cabe destacar que estos sonidos fueron grabados cuando la banda se trasladó al castillo de Marouette en Francia durante la grabación del álbum. La influencia de estos alrededores se puede escuchar a lo largo del álbum en una gran cantidad de atmósferas inquietantes. La letra nos indica que está llegando el esperado desenlace, con el escape de la protagonista de casa: "¡Que valiente, valiente chica!, nunca ha amado antes. Así que lo intentó a su propio modo, para encontrar el corazón de la rosa apretada. Ella se fue ahora. Pero oh!, ella duele, ella duele. Él buscará hasta que encuentre una manera de atrapar los días. Ve su tristeza en su cara. Ella está dentro de ti y ella está llorando.". De inmediato hace su aparición el gran final "The Great Scape" sublime y de desgarradora tristeza y belleza a la vez. Aqui en una rafaga, volvemos a el comienzo del disco, al borde del puente, todo los dramas atravesados y vivencias en álbum, se resumen en este gran final. La letra co compuesta con Helmer, narra el triste desenlace de nuestra protagonista entre una ebullición de sentires, que van desde el rechazo de un amor no correspondido, un rencor contenido y la locura. Es particular como se expresan dos suicidios. Uno a los ojos de los hombres y otro a los ojos de los Dioses, por ejemplo: "No me preguntes por qué estoy haciendo esto. No lo entenderías. Estás haciendo las preguntas equivocadas. No podrías entender. Un puente no es un lugar alto. El piso cincuenta y dos. Ícaro lo sabría... Soy ceniza en el agua ahora, en algún lugar lejano. He caído, caído de la luna.". Musicalmente se destacan el buen manejo de los climas con sólidas bases del bajo de Trewavas y con un gran solo de Rothery. Para darle un final positivo vuelven los sonidos campestres, intentando expresar que pese al doloroso final, el mundo sigue girando y la vida continua. "Made Again" remata a el álbum, con sus buenas vibraciones. Aparentemente no tiene nada que ver con el concepto, es una especie de canción de cuna que pese a ser letra enteramente de Helmer, dicen que fue ideada para la por entonces recién nacida primogénita de Hogarth. Es por eso que deja un sabor de final abierto, con un nacimiento...

Sin ningún lugar a dudas "Brave" ha sido y es "La" gran obra maestra del progresivo moderno de los años 90´s. Marcaría pauta para un buen numero de bandas y/o álbumes de la época, como así también algunos de los siguientes trabajos de Marillion con Hogarth. Sin ir mas lejos, al año siguiente, los Radiohead con su excluyente trabajo "Ok Computer" grabaron sonidos ambient en la misma cueva cercana a el castillo de Marouette en Francia, donde había grabado Marillion para "Brave". Radiohead también utilizó a el mismo ingeniero de sonido que había trabajado en el disco "Fugazi" (1984) con Fish, Dave Meegan. La recepción por parte de sus fans fue buena, pero en general las ventas de "Brave" no fueron lo esperado. Poco después de su salida, la banda había manifestado su deseo de crear una película o un corto con el concepto de el mismo. A pesar de las malas ventas, EMI accedió y la compañía consigue firmar contrato con el director de cine de culto Richard Stanley. Es así como nace el proyecto de un film de 50 minutos. Esta película cuenta la historia en imágenes acompañadas de todo el disco "Brave" menos "Paper Lies" y la canción final "Made Again". En el disco, se deja ambiguo si el personaje principal se suicida al final. En la película, ella lo hace. Por lo tanto, "Made Again", que concluye la historia en el registro como un final feliz, no está incluido. Película altamente recomendable, y como dice en la parte trasera de la cubierta del DVD "Míralo bien fuerte con las luces apagadas.". El disco tiene tres cortes de difusion "The Great Escape", "The Hollow Man" y "Alone Again in the Lap of Luxury", en ese orden de aparición y sus videoclips están extraídos justamente de esta película. Como era de esperarse de este blog, les ofrecemos la versión remasterizada de 1998, que incluye un CD extra. Allí tendremos bastantes versiones diferentes, demos no publicados e instrumentales de algunos temas y tomas extras como "Marouette Jam" o "Winter Trees". Hay un track escondido tras "The Great Escape (Spiral remake)" luego de 26 minutos de silencio, llamado Scott Joplin's "The Entertainer". Pero uno de los tracks que mas se destacan es la bellísima versión orquestada de "The Great Scape", acompañada por la Filarmónica de Liverpool. En 2013 se editó en formatos de CD, DVD y Blu-Ray "Brave Live 2013" grabado en vivo en "Marillion Weekend en Centre Parcs" en Holanda. Un importante show sin precedentes, donde interpretaron "Brave" entero. Se aprecia un gran trabajo de efectos y toda la teatralidad de la mano de Hogarth, de ese concierto más bajo compartimos "Hard As Love".


Personal:

Steve Hogarth: voz, coros, teclados y percusiónes adicionales
Steve Rothery: guitarras electricas, acusticas y midi
Mark Kelly: teclados, coros
Pete Trewavas: bajos, guitarra acústica, pedales bajos, coros
Ian Mosley: bateria, percusión
Tony Halligan: flautas celtas
Filarmónica de Liverpool (cellos y flauta – arreglos de Darryl Way)


Lista de Temas:

1. Bridge
2. Living With The Big Lie
3. Runaway
4. Goodbye To All That
    (i) Wave
    (ii) Mad
   (iii) The Opium Den
   (iv) The Slide
    (v) Standing In The Swing
5. Hard As Love
6. The Hollow Man
7. Alone Again In The Lap of Luxury
    (i) Now Wash Your Hands
8. Paper Lies
9. Brave
10. The Great Escape
    (i) The Last Of You
    (ii) Falling From The Moon
11. Made Again


CD Bonus tracks:

1. The Great Escape (Versión Orquestada)
2. Marouatte Jam
3. The Hollow Man (Acustico)
4. Winter Trees
5. Alone Again in the Lap of Luxury (Acustico)
6. Runaway (Acustico)
7. Hard as Love (Instrumental)
8. Living with the Big Lie (Demo)
9. Alone Again in the Lap of Luxury (Demo)
10. Dream Sequence (Demo)
11. The Great Escape (Spiral Remake)


Download | Descargar















Otros discos de Marillion disponibles:

1983 - Script for a Jester's Tear

miércoles, 24 de mayo de 2017

Bob Dylan - Nashville Skyline (1969)


"Nashville Skyline", el noveno álbum de estudio de Bob Dylan, encuentra al flamante nuevo ganador del "Premio Nobel de Literatura" de 2016, avocado en un 100% a la música country. Seria uno de los últimos trabajos (el ultimo seria "Self Portrait") en utilizar convenientemente ese rango vocal denominado "crooner". Esta definicion es un termino norteamericano, tiene connotaciones semejantes a trovador o juglar que ademas de atribuirsela a los cantantes de country también se los asociaba a los de orquesta de jazz y de las  viejas "big bands". El álbum forma parte del conjunto de trabajos de la etapa de rehabilitación de Dylan a raíz de su accidente en motocicleta en 1966. Nos referimos a "John Wesley Harding", "Self Portrait" y por que no "The Basement Tapes". Albumes que advierten un nuevo giro al folk con temáticas alejadas del interés político-cultural o de las pequeñas historias llenas de personajes ficticios o no, que obviamente albergaban gradualmente trabajos desde su debut "Bob Dylan" de 1962 hasta el irrepetible "Blonde on Blonde". Luego de grabar un gran trabajo en 1967 "John Wesley Harding", Bob Dylan  abre una vez mas el panorama para la vuelta a sus raíces folks mas rusticas. El productor Bob Johnston comentó alguna vez sobre esta particular época: "Todos los artistas del mundo iban al estudio intentando hacer un álbum con el sonido más grandioso que pudiesen lograr. ¿Y qué es lo que hace él?. Viene a Nashville y me dice que quiere grabar con un bajo, una batería y una guitarra". Pocos años después, en 1969 Dylan se sentía frustrado por su falta de privacidad y a partir de ese momento se volvió precavido y más distante con sus fans. Su carácter gruñón y siempre descontento, empezó a forjarse en estos años venideros. Su paternidad también había cambiado su vida íntima. Recordemos que era la época de perpetración de "SELF PORTRAIT" (1970) , Dylan se había "aburguesado", se alojó con su familia en Woodstock, de hecho para el legendario festival de ese año, tal era el acoso de los fans y su sentimiento de desgano mediante a su rehabilitación , que se niega a rotundamente a presentarse en el mismo.

Las grabaciones del álbum fueron por supuesto en Nashville, Tennesse, rodeado de músicos nativos de ese lugar como Kenny Buttrey, Charles McCoy, Pete Drake, Norman Blake, Charlie Daniels y Bob Wilson. El 12 de febrero se iniciaron las sesiones de grabación en el estudio "A" de Columbia. Registraron "To Be Alone With You", "I Threw It All Away" y "One More Night". Al día siguiente,
Bob grabó los temas "Lay Lady Lay", escrito en 1968, "Peggy Day", "Tell Me That Isn't True" y "Country Pie". Las tomas maestras de estas, se completaron el 14 de febrero. Lugo hubo un parate de 3 días, donde Dylan compuso "Tonight I'll Be Staying Here With You". Cuando las sesiones de grabación fueron retomadas el 17 de febrero, todos hablaban de "Tonight I'll Be Staying Here With You" fue el foco de atención, y durante el resto del día se grabó el instrumental "Nashville Skyline Rag". Es particular la forma de trabajo que comenzó a desarrollar en álbumes como este. El relax reinante en el estudio, reflejaron el sonido suave, transparente, fresco e inmediato del trabajo. "Simplemente tocábamos una canción, la interpretaba y el resto de los músicos la adornaban, al mismo tiempo que hacíamos eso, alguien en la sala de control le daba el sonido adecuado." recordaba Dylan. Su voz sonaba distinta, no tan nasal como en trabajos anteriores, generando la sorpresa de todos. El músico atribuyó su nueva voz a la ausencia de cigarrillos, pero si escuchamos los bootlegs pasados podemos encontrar canciones donde hace el uso de esta voz "crooner" muchos años antes.

Amigo de Dylan y del sello discográfico, el gran Johnny Cash, siguió bien de cerca las grabaciones de "Nashville Skyline". Grabarían varios temas juntos, incluyendo versiones de temas clásicos de Bob, tales como: "One Too Many Mornings", "Don't Think Twice" y "It's All Right", además de "I Still Miss Someone", esta última, composición de Cash, "Matchbox", "That's All Right Mama", "Mystery Train", "Big River", "I Walk the Line", "Blue Yodel #1", "Ring of Fire", "You Are My Sunshine", "Mountain Dew", "Careless Love", "Just A Closer Walk With Three", "How High The Water", "Wanted Man" y "Guess Things Happen That Way", entre ellas clásicos de clásicos de Carl Perkins y Elvis Presley. Lamentablemente todas ellas fueron descartadas del álbum. Semejante cantidad de material hace pensar que es el suficiente como para sacar un álbum Dylan / Cash. Sin embargo no existe nada oficial, las canciones solo circulan en un buen número de bootlegs que muestran tanto las canciones descartadas como tomas alternativas de los temas incluidos en el álbum. Finalmente la única incluida a dúo, fue una vieja canción de "The Freewheelin' Bob Dylan", segundo LP de Dylan. Esta es por supuesto, "Girl from the North Country". La compuso luego de las experiencias vividas tras su primer viaje a Inglaterra en 1962. Esta dedicada a una ex novia, Echo Helstrom. Dylan fue de Inglaterra a Italia para buscar a su entonces novia, Suze Rotolo. Sin saberlo el músico,
Rotolo ya había regresado a los Estados Unidos, casi al mismo tiempo que él llegó a Italia. Fue aquí cuando terminó la canción, inspirado por el aparente final de su relación con Rotolo. A pesar de todo, vuelve con Rotolo y es la mujer que figura en la cubierta del álbum, caminando abrazada con Dylan en la calle Jones cerca de su apartamento en la 4th Street en Nueva York. Tanto Dylan como Cash, cantan una estrofa expresando la sentida y gran melancolía: "Si viajas a la feria del país del norte, donde los vientos golpean fuerte en la frontera, dale recuerdos de mi parte a una chica que vive allí, en otro tiempo ella fue mi verdadero amor." . Sobre el final las voces se entrelazan demostrando una excluyente química vocal entre ambos.

"Nashville Skyline Rag" esboza el sonido campirano que conceptualiza a todo el disco. Un ocurrente instrumental donde se destacan las cuerdas, guitarras y dobro, el piano y la armónica. "To Be Alone with You" es la primer canción que se grabo del disco. No por nada habrán dejado testimoniado esos momentos tan ricos de inicios de grabación de un LP. Antes de comenzar a cantar, Dylan le pregunta al productor Bob Johnston, "Is it rolling, Bob?" ("esta rodando Bob?"). Básicamente una canción de amor directa hecha un "country blues", sin mas complejidades. El carácter melancólico y de arrepentimiento en "I Threw It All Away", sigue demostrando lo bien que sabe expresar estos sentimientos de relaciones fallidas en canción. La había interpretado antes en 1968 dedicandosela a George Harrison y a su esposa Patty. Aunque también se especuló que estaba dedicada a algunas otras mujeres de su vida como su ex pareja Suze Rotolo, Joan Baez, o Edie Sedgwick. Pero sin duda el enganche del álbum seria la gigantesca canción que quedaría inmortalizada para todo el resto de su carrera: "Lay, Lady, Lay". Derrama una seducción irrepetible, cautiva ya con su primer escuchada y no cansa al repetirla una y otra vez. Habla de un encuentro romántico que termina en sexual de la pareja. Aquí Bob ya estaba abandonando las enredadas metáforas, el surrealismo, etc., es directo en sus afirmaciones para decirle a su pareja que se quede con él toda la noche. Había sido compuesta para que forme parte del la banda de sonido de la película protagonizada por Jon Voight y Dustin Hoffman, "Midnight Cowboy" (más conocida en Argentina como "Perdidos en la noche") pero hubo problemas con los tiempos de la grabación. Inclusive antes de grabarla en "Nashville Skyline", la canción también les fue ofrecida por el mismísimo Dylan a los Everly Brothers quienes la rechazaron porque pensaban que era una canción sobre lesbianas; al haber malinterpretado la letra. Los Everlys creían que decía "Lay lady lay... lay across my big breasts, babe." ("Acuéstate, nena, acuéstate, en mis grandes pechos, nena") en lugar de la letra correcta que decía "Lay, lady, lay, lay across my big brass bed" (Acuéstate, nena, acuéstate, en mi gran cama de bronce). Sinembargo la registraron, recién en 1984. Otro aspecto recalcable es el exquisito trabajo de la bateria de de Kenny Buttrey, quien confeso que le fue muy difícil ejecutarla. Dylan sugirió adicionarle bongos, mientras que el productor Johnston, un cencerro. El baterista tocó con los dos juntos. El compositor y cantante Kris Kristofferson quien estaba trabajando como conserje en el estudio, le sostuvo los bongos en una mano y el cencerro en la otra. Buttrey movió el único micrófono de tambor superior sobre estos instrumentos. Cuando cambia de nuevo a los tambores para los coros, la batería suena distante debido a no estar directamente al micrófono. A pesar de varias tomas, la que apreciamos en el álbum es la espontaneidad de la primera y es una de las grabaciones favoritas que ejecutó Buttery. Como varias de las composiciones de Dylan, ha sido reversionada por una gran cantidad de artistas, la mas inmediata fue la de The Byrds (como simple) ese mismo año y con el mismo Johnston como productor. Otros que interpretaron "Lay, lady, lay" fueron: Cher, Richie Havens, Booker T. & the MG's , Isaac Hayes, Cassandra Wilson, Kevin Ayers, Bryan Adams, Neil Diamond, Duran Duran, Steve Howe, Buddy Guy, Lana Del Rey, entre muchos más.

"One More Night" encierra una gran contradicción. Su consistencia alegre no es condescendiente a las penurias expresadas. En medio de un clima campestre y matinal (podría decirse que solo le faltan los solemnes gorjeos de los pajaritos alrededor), Dylan canta: "Oh, es lamentable y triste, perdí a la única chica que tenía, no pude ser lo que ella quiso que fuera... esta noche ninguna luz brillará sobre mí.". La inimitable y dulce "Country Pie" (sin empalagar), atesora un gran trabajo de guitarra para un "Country blues" redondo. Una de las pocas letras de Bob en este álbum donde menciona a algún que otro personaje. Uno de ellos es "Saxophone Joe". Utiliza una metáfora un tanto surreal, que quizás tenga algún sentido en el folclore norteamericano: "Igual que el viejo Joe Saxofón cuando tiene el barril en el dedo gordo, oh yo!, oh para mi! amo esa torta casera". Con respecto a el personaje, es posible que se esté refiriendo al saxofonista Joe Henderson. Investigando su significado, es certero afirmar que el "Country Pie" es un símbolo de la vida en el campo y que es sólo un alimento, pero mas de uno lo asociaria para el lado sexual, sin alejarse demasiado de la verdad. Pero ahondando más en el tema, se nos presenta otro personaje: "Little Jack Horner". Este personaje aparece en la literatura inglesa a partir del siglo XVIII. Un verso en la canción "Namby Pamby" incluye referencias de Jack. Por cierto, "Jack" siempre es el nombre del extraño personaje de los cuentos ingleses de esta época, de chicos divertidos como Jack Horner y Jack Spratt, o personajes que tienen extrañas aventuras como "Jack y el Beanstalk" ("Jack y la habichuela mágica") y claro a los aterradores "Spring Heeled Jack" ("Jack el Saltarín") y "Jack The Ripper" ("Jack el Destripador"), de finales del siglo XIX. A quien se debe referir Dylan, de todas formas, es al personaje del popular versito infantil que a todos los niños ingleses del siglo XX les gustaba entonar: "Little Jack Horner, Sat in the corner, eating a Christmas pie; He put in his thumb, and pulled out a plum. And said: ‘What a good boy am I !!!" ("Pequeño Jack Horner, sentado en la esquina. Come un pastel de Navidad; que el puso en su pulgar, y sacando una ciruela dijo: ¡¡¡Qué buen muchacho que soy yo!!!"). "Tonight I'll Be Staying Here with You" es un excelente ejemplo de la etapa de madurez que estaba viviendo. En medio de las repetitivas apariciones de un supuesto tren que lo llevaría a abandonarlo todo, la letra refleja entonces la vida de Dylan estaba dispuesto a afrontar: convertirse en un hombre de familia. 

"Nashville Skyline" agradeció de una buena aceptación en general y al poco tiempo de su salida, en mayo de 1969, Dylan apareció en el primer episodio del programa de televisión de Johnny Cash, "The Johnny Cash Show", cantando a dúo "Girl from the North Country", "It Ain't Me, Babe" y "Living the Blues". El 14 de julio de 1969, ofrecería un recital sorpresa en el "Mississippi River Festival", organizado en Edwardsville, Illinois. Bob se unió a The Band para interpretar tres canciones: "Ain't Got No Home", "In The Pines" y "Slippin' and Slidin'". Poco después hizo su presentación en el Festival de la Isla de Wight el 31 de agosto de 1969, otra vez junto a The Band, ante casi 200.000 personas, tras rechazar su participación en el festival de Woodstock. Interpretó diecisiete canciones, de las cuales sólo dos, "I Threw It All Away" y "Lay Lady Lay", procedían de "Nashville Skyline". Había contratado a Elliot Mazer para grabar su participación en dicho festival, con la esperanza de publicar un álbum en directo. Sin embargo, Dylan abandona dichos planes, aunque el material sería grabado y enviado a Nashville para que Bob Johnston trabajara en las mezclas posteriormente. La legendaria portada y el arte del sobre interno del vinilo atesoran unas lindas anécdotas. Lo vemos a Bob Dylan en su casa de Woodstock, feliz y sonriente sosteniendo una guitarra que en el documental "No Direction Home" cuenta que Cash le regaló en símbolo de admiración entre cantantes. Igualmente hay un encarte en el interior del vinilo (en el back del CD) con un bello poema sobre Dylan, obra del amigo Johnny. La portada de un principio aparecía el verdadero "Skyline" (horizonte) de la ciudad de Nashville pero era tan evidente que Dylan la desechó. Propuso hacerse una foto frente a su panadería favorita de Woodstock con su hijo Jesse y dos personas anónimas del pueblo, un poco al estilo de la portada de "John Wesley Harding". Pero tras la sesión fotográfica, Dylan y Elliot Landy dieron un paseo por el bosque, donde había llovido y estaba todo encharcado. Bob empezó hacerse el tonto con un sombrero y de la serie de instantáneas que le tomo Elliot, se quedó con una de las tomas. Le dijo a la CBS que quería esa fotografía en la portada y nada mas, sin título, ni logotipos, ni nada de nada, solo la foto.



Lista de Temas:

1. Girl from the North Country (con Johnny Cash)
2. Nashville Skyline Rag
3. To Be Alone With You
4. I Threw It All Away
5. Peggy Day
6. Lay Lady Lay
7. One More Night
8. Tell Me That It Isn’t True
9. Country Pie
10. Tonight I’ll Be Staying Here With You


Download | Descargar




viernes, 5 de mayo de 2017

Motörhead - Overkill (1979)


Para ser el segundo trabajo de su más que extensa carrera, "Overkill" no deja de sorprendernos hasta el hartazgo a el día de hoy. No solo por que contribuye a definir el sonido de Motörhead sino por que ademas de eso, se lo considera como uno de los álbumes más importantes de la historia del rock n roll abriéndose un paso a la fama. Sin obviar el pasado reciente  de Mr. Ian "Lemmy" Kilmister  (la banda Hawkwind) "Overkill", al igual que su antecesor "Motörhead" (1977), conserva alguno de los aspectos y elementos que atesoraba un oportuno "Space Rock" o como se lo ha denominado tiempo después "Stoner Rock". Eso sumado a la arremetida inicial que la banda estaba encabezando por entonces con lo que supuso la camada del "nuevo heavy británico". Sinembargo Lemmy siempre se ha mostrado reacio a ese encasillamiento demostrándolo con una de sus frases de cabecera:  "We’re Motörhead and we play Rock’n’Roll".

En 1975 Lemmy había sido despedido de Hawkwind y tras pasar cinco días en una cárcel canadiense por posesión de drogas, (declaró que fue por consumir las drogas equivocadas), decidió formar su propia banda a la que llamó "Bastard". El manager de por entonces Doug Smith le recomienda que cambie ese nombre ya que los prohibirian en radio y TV. Así que opta por bautizarla "Motörhead " al igual que la canción que ya había compuesto para su ultimo disco acompañando a Hawkwind: "Warrior on the Edge of Time" (1975). El nombre de la canción "Motorhead" proviene de la jerga para denominar a un consumidor de anfetaminas. Las intención de Lemmy era formar "la banda más sucia de rock and roll del mundo", por eso une fuerzas con  Larry Wallis como guitarrista y Lucas Fox como batería. Tras dar algunos shows en locales under de Londres, como por ejemplo "The Roundhouse", en octubre de 1975 telonean a Blue Öyster Cult en el Hammersmith Odeon. Durante lo que quedaba del año tendrán lo suyo bandas como Pink Fairies, The Damned y The Adverts. Al poco tiempo graban algunos demos en los estudios de grabación Rockfield de Monmouth, Gales. Es allí que Fox es reemplazado por el explosivo baterista Phil "Philthy Animal" Taylor. United Artists, la discográfica incluyo estas grabaciones, años después en el álbum "On Parole" (1979). En un principio Motörhead, no quiso privarse de un sostén rítmico para la guitarra de Wallis, así que reclutan a Eddie "Fast" Clarke. Wallis abandona las sesiones de grabación. Queda así conformada la versión clásica de Motörhead, dando lugar a uno de los mejores y mas arrasadores "Power Trios" de todos los tiempos. La potencia que habían logrado por esos tiempos era arrolladora y toda una novedad para la época, donde pocas bandas lograban este sonido tan fuerte y salvaje. El sonido inicial de la banda estaba emparentado a las tres categorías clásicas del metal: el "heavy metal", el "speed metal" y el "thrash metal", al "hard rock" y por que no al "punk rock". Como habíamos dicho aquel "space rock"que pregonaba Lemmy no escapaba a algunos pasajes de algunos temas, sobre todo en los primeros discos. Todo esto mechado también con algunas versiones de temas clásicos del rock n roll y del blues que siempre suelen aparecer en sus discos ("Train Kept A-Rollin'", "Louie Louie" , "I'm Your Witchdoctor", etc.). Tras grabar once maquetas para el sello Chiswick Records, el cual solo considero ocho de las mismas, registran su álbum debut en 1977 "Motörhead". Con este flamante trabajo en las calles, el panorama para la banda no era muy alentador. Después de tener algunos problemas con las discográficas (recordemos lo sucedido con "On Parole") Bronze Records accede a grabarles un simple en los Wessex Studios de Londres el cual tendría como cara "A" a el cover de Richard Berry "Louie Louie" y, como Cara-B, "Tear Ya Down". Al cabo de un tiempo la amistad de Kilmister con un productor del programa "Top Of The Pops" permitió que la banda pudiera interpretar el cover en su programa, el 25 de octubre de 1978, lo que provocó un aumento de los fans de Motörhead, hasta entonces. Con este nueva puerta abierta de Bronze records, la banda aprovecha esta gran oportunidad y de inmediato Lemmy hace buenas migas con el famoso productor de los mismísimos Rolling Stones, Jimmy Miller. La grabación del nuevo trabajo solo les llevo 15 días, lo que demuestra que la banda ya se había acostumbrado a grabar rápidamente en estudio, grabación que se realizó en los estudios Roundhouse, al norte de Londres.

Es así como el estruendoso "Overkill" se nos abre paso con el tema homónimo, anunciando la devastación auditiva que se trae entre manos este disco. Un verdadero himno del "speed metal". De característico comienzo con las energícas y maquinadoras baqueteadas de "Animal" Taylor, una de las primeras en utilizar doble bombo. Rápidamente el segundo instrumento que se une es el bajo de Kilmister y las guitarra de Clarke que se da el lujo de hacer cuatros solos. La calidad de la instrumentación es impecable y a la vez sorprendente ya que amagan dos veces con un gran final para volver a la secuencia de batería de la intro, algo que marcará tendencia en sinnúmero de bandas. Obviamente que se convirtió en un clásico de la banda y recurrente en sus shows en vivo. La letra sella una amistad eterna de aquí en adelante entre la banda y fans (Motörheadbangers) por su certero mensaje inicial y con feedback incluido: "La única manera de sentir el ruido, es cuando es bueno y fuerte. Tan fuerte como para no creerlo, gritando con la multitud. No te preocupes!!. Te lo devolveremos...". El desenfreno brutal, salvaje, veloz continua con "Stay Clean". Cincela en una roca la marca Motörhead en la historia del rock and roll, para siempre. Pegadizo riff , letra clara y directa , no tardó en convertirse en canción obligada para tocarse en directo. El trabajo de Lemmy con su legendario Rickenbacker es excluyente, por encima de los demás instrumentos, da la impresión que las cuerdas de su bajo se cortarán en cualquier momento. "I'm so drunk!!..." (Estoy muy borracho!!...), así se desencadena "(I Won`t) Pay Your Price". Con ciertos matices bailables, su letra es sucia y traicionera:..."Estoy harto de escuchar tonterías, prefiero apuñalarte por la espalda ... te digo que la única razón es que estás fuera de temporada..." o bien "Cierra la puerta cuando te vayas, por que sigues aqui?, no lo se... contarè hasta tres y si sigues aqui tomare una pistola y te dispararé en las rodillas a distancia... A mi manera, sabes que no pagaré tu precio.".

Por aquellos tiempos se supo de la admiración de Lemmy por la gran Tina Turner y una expresión de deseo por parte del cantante y bajista, fue que interpretara "I'll Be Your Sister". Mr. Kilmister nos ofrece aquí una buena estrategia para conseguir chicas, demostrando un gran apego, convirtiéndose de alguna manera en su "hermana"estando para todo lo que necesite. Una formula parecida a la que utilizó Iggy Pop con su debut de The Stooges con "I Wanna Be Your Dog", pero quizás de alguna manera mas "elegante", si se quiere. El grito astrológicamente correcto y empapado de "space rock" sucede en "Capricorn". Su estructura enigmática e incidental, nos hace imaginar a Lemmy volando a través del espacio cantándole desgarradamente a la constelación, mientras que Clarke dibuja con punteos luminosos, iluminando el vacío espacial. A propósito hay un dato curioso con el solo de guitarra. Resulta que Eddie, mientras estaba afinando la guitarra para grabar el tema, ejecutó un solo con la finalidad de sacarle una risa a los presentes en aquella sala. Lo que él no sabía es que Jimmy Miller, el productor, había puesto la grabador a funcionar y el solo de Eddie había quedado registrado, y no solo eso, le había encantado, y así se quedó en el disco. Todo un himno a la rebeldía y al heavy metal es sin duda "No Class" . De poderoso mensaje entre lineas y clara ética punk: "Callate!, hablas muy fuerte, no encajas en la multitud. No puedo creer que existas! ... tuve que tacharte de mi lista. Demasiado, muy pronto. Estás fuera de ritmo, sin clase, sin clase!...".
Una clara base "R&B" sostiene a "Damage Case", de tono irónico, un relato de victimización sobre su personalidad, para ganar chicas por supuesto. Aquellos primeros tiempos de formación de Motörhead coincidían con la primer escapada de el gran Norberto "Pappo" Napolitano a Europa. Cuenta la leyenda que estando en Londres, el querido Pappo fue testigo de la formación de la banda, llegando incluso a tocar con ellos. No es extraña entonces la misteriosa conexión y el gran parecido que tiene esta canción con el clásico de Pappo´s Blues "El Brujo y El Tiempo" aparecido en el imprescindible "Pappo's Blues Volumen 3". Una perla en el gran océano que es la historia del rock n roll.

Es rara la aparición de "Tear Ya Down" como canción  del LP original , ya que, recordemos, había sido la cara "B" del primer simple,"Louie, Louie" previo a la salida del disco. Pero fue  irresistible para la banda incluirlo ya que su letra hace gala a el concepto del nombre del disco: "Voy a mostrarte de lo que estoy hecho, te voy a disparar esta noche. No quiero enloquecerte. Pero voy a hacer que te sientas bien. Voy a sacudirte hasta que tus labios se vuelvan azules. Te voy a romper...". Musicalmente, se acerca al sonido de Hawkwind inyectando una hipnótica base comandada por el bajo. Kilmister aseveró en su autobiografía, "White Line Fever", que escribir la letra de "Metropolis" le demandó solo cinco minutos, tras ver la famosa película alemana del mismo nombre de 1927 y que su letra no tenia ningún sentido. El ritmo es cambiante, lo que que atenúa la atmósfera de ciencia ficción apocalíptica que inspira la canción. El final es para "Limb From Limb" que parece sacada de un típico bar "motoquero" al pie de alguna ruta del agun estado desértico de EE.UU. La letra contiene ese concepto desperezador tan asociado a Motörhead: "Amante de largas piernas, te voy a arrancar como una rama, hacerte aplastar como una rata en algún bar. Hundir mis garras en tu piel de terciopelo...Áspera nena, me vas a cortar como un cuchillo. No me importa como demonios me llames, Pero, ¿todavía vendrás esta noche?". También de condición cambiante, sobre el final todo toma una aceleración extrema con un trabajo sobresaliente de "Fast" Clarke, y con un segundo solo de guitarras a cargo del propio Lemmy, coronando un excelente final para un excelente disco.

Como muestra de las muy buenas intenciones de promover el nuevo material y de la amistad de Lemmy con el productor del el mítico programa "Top Of The Pops" de la BBC, la banda se presenta pocos días antes del lanzamiento del álbum, el 9 de marzo de 1979, para interpretar la canción "Overkill" en dicho programa. Finalmente el 24 de marzo, sale a la venta, siendo el primer álbum de Motörhead en entrar en los "Top 40" británicos, llegando al puesto número 24. Al igual que el álbum debut de la banda, el arte de de tapa estuvo a cargo de Joe Petagno, creador del "War-Pig" (también conocido como "Snaggletooth", "The Iron Boar", "The Bastard" o "The Little Bastard"). Una vez mas lo incluye a este personaje pero en versión mas colorida y mejor diseñada. Petagno siguió trabajando en la mayoría de los trabajos posteriores de Motörhead quedando este "War Pig" como mascota legitima de la banda. La reedición que les ofrecemos aquí es la japonesa de 2007, que contiene tres versiones de "Louie Louie", su original "cara B", "Tear Ya´Down", con su versión instrumental y dos canciones inéditas que no tardaron en convertirse en clásicos de la banda. La primera es la cara B de "Overkill" el simple previo a la salida del álbum, "Too Late, Too Late". Canción que es un certero mazazo al paso del tiempo y las desilusiones enfocadas a las relaciones interpersonales y/o sentimentales entre hombre y mujer. La segunda es la cara B del sencillo que sirvió de estrategia para reforzar las ventas, "No Class", salido en junio de 1979, previamente a la salida de "Overkill", nos referimos a "Like A Nightmare" con su versión alternativa como plus. Por supuesto que hubo una correspondiente gira llamada "Overkill" y comenzó el 23 de marzo de 1979. 

Como futuro mas cercano a "Overkill" la banda nos regalaría un nuevo disco ese mismo año, "Bomber" aportando canciones que se convirtieron en clásicos como "Bomber", "Dead Men Tell No Tales" y "Stone Dead Forever". Pero el gran batacazo sería sin lugar a dudas, al año siguiente con "Ace Of Spades" que contiene la canción homónima, el éxito más grande de la banda. Tiempo después Clarke abandonó la formación para ser reemplazado por el anterior guitarrista de Thin Lizzy Brian Robertson, quien grabaria solo un álbum, el irrepetible "Another Perfect Day", de 1983. Ese mismo año deciden tener dos guitarras y reclutan a Michael Burston "Würzel" y a Phil Campbell, quien se quedaría hasta el final. Tras las idas y vueltas de Taylor, pasando por Pete Gill y Tommy Albridge, a partir de 1992, el dueño de la bateria en Motörhead terminaria siendo el sueco Mikkey Dee.  Motörhead, se caracterizó también, por ser una banda de memorables tours y festivales. En 1986 hizo una gira por Alemania, Holanda, Italia y Dinamarca como parte de su "Easter Metal Blast Tour" y el 16 de agosto de ese año, la banda tocó en el legendario "Monsters of Rock" en Donnington. En los 90´s muchos también recordaran aquella visita con dos conciertos en el Estadio Obras Sanitarias de Buenos Aires en abril de 1993. Otra gira memorable fue la "We Are Motörhead Tour" por el continente americano entre mayo y junio de 2000. Este tour coincidió con los festejos del 25 aniversario de la banda, celebrado en el Brixton Academy de Londres, con diversos artistas invitados como "Fast" Eddie Clarke, Brian May, Doro Pesch, Whitfield Crane, Ace, Paul Inder y Todd Campbell. El material se registró con el DVD "25 & Alive Boneshaker" y con el CD "Live at Brixton Academy". Grabado en Los Angeles el vigésimo segundo y último disco de Motörhead fue "Bad Magic" salido en agosto de 2015. El 11 de noviembre de ese año a causa de una insuficiencia hepática Phil "Philthy Animal" Taylor, muere a los 61 años. Mr. Ian "Lemmy" Kilmister lo sigue, cuando el 28 de diciembre de 2015, fallece en su hogar a consecuencia de un cáncer de próstata, arritmia cardíaca e insuficiencia cardíaca congestiva. Mikkey Dee fue el vocero oficial de la banda comunicando el fin de Motörhead. La muerte de Lemmy sigue aun conmocionando al mudo del metal y del rock and roll alrededor de todo el mundo .


Lista de Temas:

1. Overkill
2. Stay Clean
3. (I Won't) Pay Your Price
4. I'll Be Your Sister
5. Capricorn
6. No Class
7. Damage Case
8. Tear Ya Down
9. Metropolis
10. Limb from Limb

Bonus Tracks:

11. Louie, Louie (Single A-Side)
12. Louie, Louie (Alternative Version)
13. Louie, Louie (Alternative Version)
14. Tear Ya Down (Alternative Version)
15. Tear Ya Down (Instrumental Version)
16. Too Late, Too Late (B-Side 'Overkill' Single)
17. Like a Nightmare (B-Side 'No Class' Single)
18. Like a Nightmare (Alternative Version)


Download | Descargar