miércoles, 8 de diciembre de 2010

Trans-Siberian Orchestra - Christmas Eve & Other Stories (1996)


Trans-Siberian Orchestra es una orquesta de heavy metal con una propuesta cercana al "heavy-progresivo", al rock progresivo y al metal sinfónico. Ya se destacaron por deleitarnos con tres discos navideños , el presente aquí (que también es su primer placa), su segundo trabajo "The Christmas Attic" en 1998 y "The Lost Christmas Eve" de 2004.

TSO es un proyecto paralelo de los miembros del grupo AOR-prog-metal, Savatage. Son exactamente los mismos Savatage, con el añadido de una extensa sección de cuerdas y multitud de vocalistas. Los fundadores de esta agrupación son el guitarrista Paul O`Neill y el tecladista Robert Kinkel que a la ves son productor y co-productor, respectivamente. Como era de esperarse y al igual que en muchos discos navideños, algunos de los temas son adaptaciones de clàsicos navideños. Entre los clásicos mas conocidos estàn la erizante "O Holy Night", "O Come Ye Faithful" o "God Rest Merry Gentlemen".

Es un àlbum de opera-rock con villancicos navideños, donde predominan buenos trabajos instrumentales y vocales con coros tanto femeninos como masculinos e infantiles. Es interesante notar, que gran parte de las composiciones son de los mencionados  O´Neill y Kinkel a quienes también se les suma el compositor Jon Oliva. Los clásicos están arreglados por ellos de una forma sin igual, tal es el caso de "O Come All Ye Faithful/O Holy Night" con un arreglos de guitarra
eléctrica atronadores.

Otra gran propuesta a la hora de arreglar un famoso clàsico es "A Mad Russian's Christmas" de Tchaikovsky rebosante de sinfonismo y mixturada con los elementos tìpicos del rock progresivo. "The Prince of Peace" de Mendelssohn nos atrapa con todo el color de la voz de Marlene Daniel. "Christmas Eve/Sarajevo 12/24" describe un solitario violonchelo, reproducción de un olvidado villancico de la guerra en Sarajevo .

De puño y letra  O'Neill - Oliva- Kinkel como la bellìsima "Promises to Keep" (con coro de niños) también hallamos composiciones como "A Star to Follow", "First Snow", "Ornament", "Old City Bar" y "An Angel Returned". Son bueno evocarlas ya que nos hacen aflorar sentimientos hacia
la navidad más "aggiornados", si se quiere.



Lista de Temas:


1. An Angel Came Down
2. O Come All Ye Faithful / O Holy Night
3. A Star To Follow
4. First Snow
5. The Silent Nutcracker
6. A Mad Russian's Christmas
7. The Prince Of Peace
8. Christmas Eve / Sarajevo 12/24
9. Good King Joy
10. Ornament
11. The First Noel
12. Old City Bar
13. Promises To Keep
14. This Christmas Day
15. An Angel Returned
16. O Holy Night
17. God Rest Ye Merry Gentlemen


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Otros posts navideños de LGV:


Mercedes Sosa - Navidad Con Mercedes Sosa (1970)
Trans-Siberian Orchestra - The Christmas Attic (1998)
Ringo Starr - I Wanna Be Santa Claus (1999)
38 Special - A Wild-Eyed Christmas Night (2001)
Chris Squire's Swiss Choir (2007)
Jethro Tull - The Jethro Tull Christmas Album (2003)
Jon Anderson - 3 Ships (1985)
Willie Colon - Asalto Navideño Vol. 1 (canta: Hector Lavoe) (1971)
Willie Colon - Asalto Navideño Vol. 2 (canta: Hector Lavoe con: Yomo Toro) (1973)







sábado, 4 de diciembre de 2010

Frank Zappa - Hot Rats (1969)


Potenciadas ya sus intenciones de ensamblar la música de una forma sinigual y de experimentar con géneros tan gustosos como el jazz y el rock progresivo, Frank Zappa lanza su octavo disco de estudio "Hot Rats", dando a luz así a una de las obras más importantes del rock.

El disco sale como su primer trabajo en solitario, ya sin el nombre "The Mothers of Invetion", dandole así final a la primera etapa con dicha formación. Para su concepción , el maestro Zappa requirió de una gran cantidad de músicos de sesión. Los unicos solistas con él y el vientista y tecladista Ian Underwood.

Si hay algo que carateriza a Zappa es la profundidad y la singular manera de crear texturas y atmósferas, no solo a la hora de componer su música sino también cuando se aferra a su inseparable (o no tanto) compañera: la guitarra.
Un adjetivo, tan solo uno , que nos atrevemos a tirar (por que la música que contiene este disco es casi incatalogable) por sobre esta impresionante obra es la "espesura" de sus pasajes. Desde el comienzo con "Peaches en Regalia" nos adentra en una introducción lisérgica y alocada con una gran variedad de instrumentos que se superponen, mezclando elementos celtas junto al jazz.
Tranquilamente podría ser la música para un video juego o de algún dibujo animado.
Esa misma atmósfera alocada y con más guiños celtas, pero más desgarradora aún , la encontramos en "Willie the Pimp". El unico track con voz, a cargo de su amigo Captain Beefheart. El tema logra habitar un terreno sumamente psicodélico con esa voz aguardentosa y por sobre todo unica de Beefheart. Acompañada por un violín, para luego darle rienda suelta a la experimentación músical (más que nada en la guitarra).

El clima logrado en "The Son of Mr. Green Genes", parece ubicarse en otra dimensión, es una maravilla de la música contemporánea. Regida por la improvisación, la sofisticación del tema nos hace pensar en la amplia informaciòn y conocimiento de la música clásica que tenía su creador. La base rítmica en "Littles Umbrellas" asoma al jazz con buenos trabajos de teclados en su coda, al final.

El instrumental más largo del disco es "The Gumbo Variations" (16:57) con un impresionante trabajo de saxo a cargo de Underwood. Es un tema donde es remarcable que los músicos se sienten como en la llamadas "Jam Sessions" sin inihibición alguna, muy sueltos. El solo de guitarra de Zappa, que abarca practicamente más de la mitad del tema, nos describe su genialidad y monstuosidad como guitarrista. La canciòn cierra con un pretencioso dialogo de bateria al que se le suma el bajo, el violin y luego todos juntos para un final atronador.
El tema más excéntrico es el del final "It must be a Camel" que tiene un comienzo muy jazz-band, con arreglos de vientos muy trabajados y con el inolvidable Jean-Luc Ponty en violin. Es apenas un "bonus" o una tajada plus de el maravilloso pastel sonoro de lo que es este impresionante disco.

Los amantes del gènero no pueden dejar pasar por alto esta espectacular obra de arte de 1969. Una de las rimeras grabaciones en 16 pistas que ni siquiera el genial "Abbey Road" de The Beatles (se grabó en 8 pistas, el mismo año) pudo superar técnicamente.
En el decimoséptimo aniversario de su muerte les ofrecemos entonces "Hot Rats" del querido Frank Zappa con un plus incluido: los radio spots del disco y los covers del vinilo.

Lista de Temas:

1. Peaches En Regalia
2. Willie The Pimp
3. Son Of Mr.Green Genes
4. Little Umbrellas
5. The Gumbo Variations
6. It Must Be A Camel

Personal:

Frank Zappa - guitarra, bajo, percusión
Ian Underwood - piano, órgano, clarinete, saxofón
Captain Beefheart - voz en Willie the Pimp
Sugar Cane Harris - violín en Willie the Pimp y The Gumbo Variations
Jean-Luc Ponty - violín en It Must Be A Camel
John Guerin - batería en Willie the Pimp, Little Umbrellas y It Must Be a Camel
Paul Humphrey - batería en Son of Mr. Green Genes e The Gumbo Variations
Ron Selico - batería en Peaches En Regalia
Max Bennett - bajo en Willie The Pimp, Son of Mr. Green Genes, Little Umbrellas, The Gumbo Variations y It Must Be a Camel
Shuggy Otis - bajo en Peaches En Regalia

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Otro homenaje a Frank Zappa de La Guitarra en La Ventana: "15 AÑOS SIN FRANK ZAPPA"

miércoles, 1 de diciembre de 2010

Carlos Gardel - Anclao en Parìs (su Obra integral vol. 6)


De nuevo otra entrega de la obra integral del mudo "Anclao en Parìs", el Volumen VI. La voz de Carlitos, esta vez, se centra en cantarle a ese lejano paìs , a su glamur, a su belleza y por supuesto(y esperemos misteriosamente) a sus mujeres.

El tango màs caracterìstico es el famoso "Anclao en Parìs" de Cadìcamo. La constante evocaciòn al barrio de Montmartre (ubicado en una colina a orillas del Sena, en Parìs) nos hace pensar el clima de bohemia que reinaba en aquel sitio.
Gardel le canta a sus noches, el Place Pigalle describiendo las "jazz-band", las balalaikas y bàndoneones, el Carnaval ("Noches de Montmartre").
Tambièn de allì sale "Madama Ivonne" una "pebeta" de barrio que animaba las noches de "Les Quatre Arts" quien tiene un affaire con un argentino.

Tomando una porciòn del gran mito que es Gardel (màs sobre su verdadera nacionalidad), encontramos un gran apego a este paìs. Tangos como "Francia", "Oh Parìs" y "Araca Parìs" demuestran y recuerdan su paso a travès de los años en giras, como en 1928 y 1929 o la de 1930 donde grabarìa tambièn una pelicula: "Luces de Buenos Aires".

Esta nueva entrega , tambièn nos demuestra su gran manejo del idioma, entre otros: "Deja", "Madame, c`est vous" y "Je te dirai" estas dos, acompañados por una orquesta muy de la època.
Otro gran tango es "Sos de Chiclana" que suena como a una despedida a una chica que se va a Parìs con un "mishè".

"Silencio"(mùsica: Gardel, letra: Le Pera) es quizàs lo màs interesante y màs serio de este vòlumen. Es un tango ya pretencioso desde su composiciòn. Con un extraño chirrido de violin en la introducciòn y con la incorporaciòn de voces femeninas y de un clarìn. La letra nos describe una familia y su paso por las calamidades de la guerra.


Lista de temas:

1. Anclao en Parìs
2. Noches de Montmartre
3. Francia
4. Pobre Pato
5. Madame Ivonne
6. Francesita
7. Griseta
8. Una noche en El Garròn
9. Che papusa oì
10. Muchachita de Montmartre
11. Sos de Chiclana
12. Oh Parìs
13. Deja
14. Folie
15. Madame, c`est vous
16. Je te dirai
17. Silencio
18. Araca Parìs
19. Aquel cuartito de la pensiòn

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Su Obra Integral hasta la fecha:

Volumen I: "Su Buenos Aires Querido"
Volumen II: "Amores Difíciles"
Volumen III: "Gardel en Barcelona"
Volumen IV: "Las Mujeres Aquellas"
Volumen V: "Eran Otros Hombres"
Volumen VI: "Anclao En París"
Volumen VII: "Gardel en Nueva York"
Volumen VIII: "Garçonnière, carreras, timba... "
Volumen IX: "Criollita Decí Que Sí"
Volumen x: "Gardel Por El Mundo"
Volumen XI: "Pobres Chicas"
Volumen XII: "Aquellas Farras"
Volumen XIII: "Cuídense Porque Andan Sueltos"
Volumen XIV: "Tomo Y Obligo"

martes, 26 de octubre de 2010

Rush - Moving Pictures (1981)


Ansiosos de esperarlos por màs de 30 años, los fans argentinos de Rush por fin pudieron apreciar un show en vivo de esta excluyente banda de rock de todos los tiempos. Dicha manifestaciòn de electricidad en estado puro, se desarrollò el pasado viernes 15 de octubre en el estadio GEBA (Gimnasia y Esgrima de Buenos Aires). En el marco del "Time Machine Tour 2010" el trìo canadiense ofreciò ante 15 mil personas, un repertorio de canciones que abordaban el amplio espectro de su tan eclèctica mùsica. El show estubo condicionado por una màquina del tiempo
la cual los mùsicos la hacian llamar "Gefilter"(en los graciosos cortos que proyectaban las pantallas, antes, durante y despuès del show) que detenìa su reloj en diferentes èpocas de la banda.

La primera parte abriò con el clàsico "The Spirit of Radio" de el disco "Permanent Waves" pasando por temas de los años 80 como "Time stand still"asi como tambièn de su ùltimo trabajo "Snakes & Arrows". Adelantaron temas de su pròximo trabajo "Clockwork Angels" como "BU2B" y "Caravan", pròximo a editarse en 2011.
Sin dudas, el bajista y cantante Geddy Lee, el guitarrista Alex Lifeson y el maestro de las artes rìtmicas Neil Peart, ofrecen el mayor despliege escènico y de talento al iniciarse la segunda parte del show , donde ejecutan en su totalidad su èxitoso àlbum "Moving Pictures" de 1981.

El àlbum se inicia con el gran tema "Tom Sawyer", uno de los temas màs conocidos de la banda, para a darle paso "Red Barchetta" con su inolvidabe riff, canciòn que nos habla de la adrenalina de manejar ese auto. La majestuosidad rìtmica que hace de "YYZ" tema infaltable en los shows de Rush, es apenas opacada por quizàs lo mejor del recital: "The Camera Eye". Interpretada con una alta calidad sonora , manejando una amplia paleta de sonidos, es otra muestra màs del gusto "èpico" compositivo del grupo que tuvo desde siempre. La letra del tema en cuestiòn, como ya habìamos dicho, es de corte èpico, pero con temas màs alejados a la mìstica que venian recurriendo en anteriores trabajos de lo 70, ya que podemos vislumbrar una clara tèmatica futurista. El tema trata de capturar la energía y costumbres de dos grandes ciudades de
habla inglesa: Nueva York (en la primera estrofa) y Londres (en la segunda). "Limelight" y "Vital Signs" son temas que se acercan a la arista màs pop de la banda , anticipando lo que serìan
sus trabajos en buena parte de los años 80.

Otro momento nostàlgico del show fue la bella "Closer to the heart" para la mayorìa de los funs entrados en años. Sobre el final no podìa ni debìa faltar la devastadora "2112" , antes del bis
para volver con "La Villa Strangiato" y cerrar definitivamente con una extraña versión "Working man" versiòn reggae.

Aquì, les ofrecemos, entonces "Moving Pictures" , un buen disco para comenzar a conocer a Rush (aquellas personas que desconocen su existencia), esta interesante banda de culto (y màs aùn en Argentina) que ha pasado por muchas etapas mùsicales y que en cierta època fuè muy odiada por la crìtica, pero que sin embargo nunca traicionò sus ideales.

Lista de temas:

1. Tom Sawyer
2. Red Barchetta
3. YYZ
4. Limelight
5. The Camera Eye
6. Witch Hunt
7. Vital Signs


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sábado, 28 de agosto de 2010

Dúo Crianza - Pasé Por Tu Pueblo (2010)

Ya sea por las poderosas y reales imágenes y mensajes transmitidos a través de cada verso o copla. O por el manso y profundo
sentir del acompañamiento vocal e instrumental, el debut discográfico de este dúo oriundo de la ciudad de Mar del Plata nos deja un
buen sabor de boca (por no decir de oidos?...).


Fieles a la tradición en lo que respecta a los discos de folclore, el trabajo nos ofrece gran variedad de estilos. Entre ellos chacareras, zambas, gato pampeano,
cueca norteña, entre otros. En cuanto a los versos, demuestran las vivencias de los integrantes del dúo y un claro agradecimiento y respeto a sus formadores.

Los temas pertencen en letra a Daniel Osuna y en música a Federico Moyano(salvo en los temas indicados mas abajo). Todos los temas fueron grabados en RADIO FRATER en el otoño de 2010
"Mi niño pobre" se grabó en los estudios EQ.


Lista de Temas:

1. Zamba de los hermanos (zamba)
2. Corcovea el bagual (gato pampeano)
3. Pasé por tu pueblo (cueca norteña)
4. El caballo azul (gato cuyano)
5. Chacarera del miedo (chacarera)
6. Coplitas para mi canto (chacarera) (C. Di Fulvio)
7. Juan del Monte (chacarera) (Leguizamón y Castilla)
8. Algarrobo, algarrobal (vidala chayera) (Ch. Rodríguez)
9. Mi niño pobre (chamamé)
10. Agradezco (carnavalito)

viernes, 11 de junio de 2010

Aquelarre - Siesta (1975)


Aquelarre fué una de las primeras bandas de rock sinfónico en Argentina (sino es la primera le pega en el palo). Conformada en el seno de la disolución de Almendra, estaba compuesta por la base rítmica de dicha formación, es decir el cantante y bajista Emilio Del Guercio y el baterista Rodolfo García. El resto de la aliniación la completaban el formidable guitarrista Hector Starc (alias "bola de ruido") que venía del "Hector Starc Trío"(apadrinado por Pappo) formado allá por la segunda mitad de los 60´s y el tecladista de blues Hugo Gonzalez Neira.

"Siesta" es su cuarto y ultimo disco de estudio y creemos que aquí la banda llega a la cumbre de su sonido y de su creatividad con sus letras de tintes surrealistas (como es de esperarse).
Con este bello trabajo Aquelarre brinda un gran aporte al rock argentino. Se pude decir que es un trabajo en su totalidad "bucólico", es decir un disco totalmente rústico y pastoral en su particular sonido y en sus letras. Buena muestra de esto son los temas "Cacería en el bosque" y "Savia de los aromos" , la primera es de casi 8 minutos contenida por una serie de climas sonoros alucinantes, la segunda es mucho más folk con una hermosa pieza de guitarra acústica a cargo del maestro Starc. Otro tema más folk todavía es "Canto Cetrino" .

A nivel instrumental el disco está lleno de cortinas de sintetizadores (los primeros moogs y mellotrones de Argentina los trajeron Gonzalez Neira y Charly Garcia) y sutiles riffs de guitarras, como se pueden notar en "El hombre cercano". Los arreglos son exquisitos , y lo más importante es que ningún instrumento se impone por encima de otro. Otro aspecto a considerar es la cálidez de las voces en el momento justo en que se entrelazan entre si dándole una belleza vocal impecable.

El instumental "Siesta Cambiada" representa la buena comunicación que en ese momento habían logrado tener los miembros del grupo.
El Lp original terminaba con la poderosa y electrificante "El Hombre Cercano" (regida por un poderoso riff de guitarra "marca Starc"). 


Lista de Temas:

1. Pájaro de la locura
2. Árboles caídos para siempre
3. Canto cetrino
4. Siesta cambiada
5. Cacería en el bosque
6. Savia de los Aromos
7. El hombre cercano


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jueves, 13 de mayo de 2010

King Crimson - Red (1974)



No creo que la clasificación sea mala per se, pero sí que es cierto que, aun siendo necesaria para orientar el comentario, puede resultar restrictiva. De la clasificación al encasillamiento a veces hay un paso, más corto si cabe en el camino que lleva al prejuicio. Y si hay un grupo que huye de las clasificaciones, pero que al entrar en ellas es encasillado y prejuzgado —sin llegar a ser escuchado— es King Crimson. Dentro del bote del rock sinfónico, veo más paralelismos entre su obra y la de Miles Davis, Soft Machine (y Robert Wyatt) o Can (y el kraut rock) que la de Genesis o Yes, verbigracia. Sin embargo, más que paralelismos o similitudes, lo que hay en King Crimson, aparte de un constante cambio de miembros de los que Robert Fripp es el único fijo, es libertad creativa y cientos de detalles en una música de gran belleza.



Último trabajo en estudio de la primera etapa del grupo —ésa que tiene como punto de partida 1969 y el soberbio In The Court Of The Crimson King—, Red (1974) es un disco espléndido que se abre con un homónimo instrumental compuesto por Fripp. Un tremendo riff de guitarra guía seis minutos de algo que si no es hard rock, por la intensidad del tema más que por su estructura, se le parece. Fallen Angel es una hermosísima balada made in King Crimson, con una de esas melodías tan propias del grupo. One More Red Nightmare fluctúa entre el pop, el rock y el jazz, mientras que Providence, con el violín de David Cross, se acerca a la música clásica de cámara, en la introducción, y a la concreta y atonal en el resto del tema. Starless hace compendio de todo lo anterior durante los doce minutos que dan por finalizado el álbum.



Pero, como decíamos, la música de King Crimson huye de fáciles definiciones y los caminos por los que transita son demasiado particulares como para que las palabras puedan dar más que una ligera aproximación, si no caen, por desgracia, en la contradicción de incidir en el problema clasificación/encasillamiento/prejuicio comentado. Pesa a ello, sí que afirmamos que la extraordinaria labor de Bill Bruford a la batería, la guitarra y el mellotron de Robert Fripp y la intervencián de vientos agudos (oboe, corneta, saxos alto y soprano que colorean arreglos exquisitos) confieren una importancia definitiva a la interpretación, enriqueciendo y dando una personalidad a cada una de las composiciones, que —gracias a los matices que aporta la diversidad instrumental— suenan únicas y diferentes a las de sus contemporáneos sin dejar de representar —no hay paradoja en ello— fielmente a su época. Composiciones de un disco, Red, que ponía punto y final a cinco años de grandes hallazgos que no serían retomados —con nueva formación y orientación, pero excelentes resultados— hasta 1981 en DISCIPLINE.

Reseña cedida gentilmente por nuestro nuevo amigo Gonzalo Aróstegui Lasarte del excelente blog RAGGED GLORY



Lista de Temas:

1. Red
2. Fallen Angel
3. One More Red Nightmare
4. Providence
5. Starless

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Discos de King Crimson disponibles:

1974 - Red
1982 - Discipline



iphone+king crimson= starless

miércoles, 21 de abril de 2010

Humble Pie - Performance Rockin' the Fillmore (1971)


Esta vez nos toca homenajear, pasados 19 años de su muerte, a un hèroe del rock & roll muy poco conocido, pero lo suficientemente influyente para el gènero.
Nos referimos al cantante y guitarrista Steve Marriott, conocido por integrar míticas bandas como Small Faces y Humble Pie y también por su partcular voz.

Naciò como Stephen Peter Marriott en Londres, 30 de enero de 1947. En sus principos (en epoca de los Small Faces) era miembro de aquella moda denominada mod, la cual
tenìa en sus filas tambièn a integrantes de la banda The Who, entre otros.

Los Small Faces eran un grupo de rock psicodèlico liderado por Marriott. Sus otros integrantes fueron el bajista Ronnie Lane, el tecladista Ian Mclagan y el baterista Kenney Jones.
La banda se formò en 1965, cuando Ronnie Lane entro al local donde trabajaba Marriott a comprar un bajo. Luego reclutarían a Kenney Jones y Jimmy Winston. Por ese entonces sus presentaciones se caractaerizaban por hacer clàsicos como "Jump Back", "Please Please Please" de James Brown, "You've Really Got a Hold on Me" de Smokey Robinson's y "Stand by me" de Ben E. King y también daban a conocer las primeras composiciones de tandem Lane/Marriott como "Come on Children" y "E too D".

Màs tarde con Decca Records lanzaron, en principio, una serie de simples y sus unicos dos discos con ese sello "Small Faces" de mayo de 1966 y "FROM THE BEGINNING" de junio de 1967. Antes de lanzar el primer Lp abandona la formación Jimmy Winston. Su salida se debe a un supuesto choque de personalidades con Marriott o a una supuesta carencia de talento musical, aunque persisten rumores de que fué expulsado por comprometer la imagen de la banda al ser demasiado alto. El grupo tomó su nombre tras una amiga de Marriott que los acusó de tener caras pequeñas, "small faces". En Agosto de 1966 su popularidad alcanzó su máximo cuando su quinto single "All Or Nothing", alcanzó el nº1.

Cambiarían de sello esta vez serìa Immediate, sello que fuè fundado por el ex manager de los Rolling Stones Andrew Oldham. Las composiciones en esta etapa estaban claramente influenciadas por el consumo de drogas. Una muestra de esto es la canción "Here Come The Nice", que resaltaba claramente el consumo de anfetaminas. El single "Itchycoo Park" del año 1967 fué el primero en utilizar la técnica del phasing, reproduciendo dos cintas a la vez a diferentes velocidades.
Otro gran single, y quizás la canción mas recordada de la formación, fué "Tin Soldier", un rock enérgico mezclado con soul que deja distinguir los coros de la cantante P.P. Arnold.
El álbum que los consagra en Inglaterra es la obra sumamente psicodélica y conceptual llamada "Ogdens' Nut Gone Flake" de 1968. Su éxito fué grato para los integrantes y el público en general, ya sea por la innovación de su tapa o por lo interesante de su concepto:
la cara "A" narraba la historia de un hada y la cara "B" las historias de un personaje llamado "Happiness Stan".

La disolución de los Small Faces en 1969, dió lugar al nacimiento de Humble Pie (Marriott) y The Faces (Lane, Jones y McLagan junto a los ex integrantes del Jeff Beck Group ,el cantante Rod Stewart y el guitarrista Ron Wood).
Los Small Faces se juntarían años más tarde para presentar nuevos trabajos de estudio como "Playmates" (1977) y "In The Shade" (1978), lanzados por Atlantic Records. Kenney Jones se convirtió en batería de The Who tras la muerte de Keith Moon en 1978 e Ian McLagan pondría teclados en varios trabajos de The Rolling Stones.

Entonces tras la disolución de "The Small Faces", en 1969, Steve Marriott se dedicaría de lleno a su nueva formación, la flamante banda de hard rock Humble Pie (abandonando definitivamente la psicodelia de los Small Faces). Para su concepción decidió reclutar al poco conocido por aquel entonces, Peter Frampton que venía de una banda llamada "The Herd" y a el bajista Greg Ridley de "Spooky Tooth". A estos se les sumarían el baterista y percusionista Jerry Shirley. Algunos dijeron que esta banda fué la primera banda de heavy metal , no por el sonido sino por el volumen utilizado para la interpretación de los bluses. Es interesante remarcar que Humble Pie es una cosa en estudio y otra cosa en escenario. En estudio podemos definir el sonido como una mezcla de R&B, boogie, folk-rock, country-rock y hard rock. En cambio en escenario ese rock duro de la banda se acerca mucho al heavy metal, eso sumado al fabuloso histrionismo de Marriott con su voz que recuerda mucho Janis Joplin.
En ese mismo año saldrían sus dos primeros Lps “As safe as yesterdays is” y “Town and country”, del primero se destacaban “Stick Shift” o “Desperation” (un cover de los Steppenwolf). En el segundo empezaban a asomar las composiciones de corte romántico de Peter Frampton como “Take me back” y “Only you can see” , también incluía un cover de Buddy Holly: “Heartbeat”.
Los discos que le siguen , se grabaron fuera del sello de Oldham (Immediate) cambiándose a A&M Records donde grtabarían "Humble Pie" en 1970 , "Rock On" en 1971 y el doble/devastador en vivo “Rockin’ the Filmore” (1971).
Hasta ese año (1971) llegaría Peter Frampton. Dejaría Humble Pie pra iniciar una extensa y exitosa carrera en solitario que se prolongaría hasta estos días. El lugar bacante sería ocupado por Dave “Clem” Clempson, guitarrista ex de Colosseum.

"Smokin" de 1972 fué el primer disco sin Frampton, un trabajo de gran aceptación en U.K. tanto como en USA con grandes temas como "Thirthy days in the hole" o "Hot ´n´ nasty". Le seguiría el interesantísimo "Eat It" de 1973 con matices de gospel y soul evidenciados en los coros predominantes.
“Thunderbox (1974) y “Street Rats” (1975) no llegaron a la altura de sus dos antecesores. Un dato interesante, justamente nombrando el disco "Thunderbox" es que el mismo contiene la canción "Drift away" que si uno le presta atención (y lo conoce claro está) no es otro que el tema "Toda la noche hasta que salga el sol, tocando en una banda de rock & roll" que se hizo popular gracias a una banda de rock de Argentina llamada Orion. Luego de estos fracasos la banda se separaría hasta que Marriott los junta en 1980 con el disco "On to Victory" al que le seguiría “Go for the throat” de 1981.

La muerte de este infravalorado y carismático rockero es bastante sorprendente e incomprensible. Fallece a los 44 años en su casa de Essex, el 20 de abril de 1991 a causa de un incendio provocado por un cigarrillo.

Vamos a recordar Steve Marriott en quizas su mejor momento con Humble Pie, hablamos del detonador doble LP "Perfomance Rockin' The Fillmore" capturado en mayo de 1971 en el legendario Fillmore East de Nueva York. El vivo en cuestión tiene solo un tema compuesto por la banda “Stone cold fever”.
La forma en que está ejecutado este recital es realmente impecable y de una intensidad implacable. Ya desde el principio empieza con la potente "Four Day Creep" para darle paso a otro tema dinamita de Willie Dixon: "I´m Ready" que comienza con un dialogo entre la voz de Marriott y la guitarra.
Otra muestra de majestuosidad en escena es “I walk on gilded splinters” de 23 minutos. Con esas misma formas de interacción con el publico encontramos a “Rollin’ Stone” de Muddy Waters, con la voz de Marriott como columna vertebral. Otro tema muy versionado por bandas es "Hallelujah I love her so" de Ray Charles. Para cerrar este explosivo recital tenemos a la bestial “I don’t need no doctor” uno de los temas mas escuchados de esta gloriosa banda.
En resumen, es uno de los mejores recitales en vivo de la historia del Rock & Roll, comparable con “At Fillmore East“ de The Allman Brothers Band o "Live at Leeds" de The Who por nombrar tan solo dos.

Lista de Temas:

1. Four Day Creep (Ida Cox)
2. I'm Ready (Humble Pie, letras de Willie Dixon)
3. Stone Cold Fever (Humble Pie)
4. I Walk on Gilded Splinters (Dr John Creaux)
5. Rollin' Stone (Muddy Waters arreglado por Humble Pie)
6. Hallelujah I Love Her So (Ray Charles)
7. I Don't Need No Doctor (Nick Ashford, Valerie Simpson, Jo Armstead)

Personal:

Steve Marriott : guitarras, voces, teclados y harmonica
Peter Frampton : guitarras, voces
Greg Ridley : bajo, voces
Jerry Shirley : bateria

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I don´t need no doctor

martes, 13 de abril de 2010

Pappo`s Blues volumen 8 - Caso Cerrado (1995)

Esta es la despedida de el Carpo en cuanto a enumerar sus trabajos junto a su diferentes formaciones dadas a llamarse "Pappo´s blues". Este conteo, como muchos sabemos, comenzó allá por el año 1971 con el Volumen 1 y culmina aquí con este Volumen 8, que dicho sea de paso es el unico volumen junto a el 5 (Triángulo) que se le otorgó un titulo (Caso Cerrado).

Esta placa es una mezcla bien lograda de lo que mejor sabe hacer Pappo: blues, hard rock y por supuesto avasallantes dósis de heavy metal. Como ya lo había hecho en su gran trabajo "Blues local",Pappo incluyó una serie de clasicos de la historia del rock and roll , algunos con traducción al castellano como las versiones de "Route 66" (Ruta 66) y "Spanish castle magic" (Castillos mágicos españoles)de Jimi Hendrix. Otro cover para prestarle atención (por lo bien logrado) es "People Don't Care" del gran tecladista Deacon Jones que por otro lado es invitado de honor del disco y toca los teclados en ese mismo tema.

Otras gratas participaciones, a nivel internacional, fueron las de Carmine Appice y Team Boggart (ambos tocaron con el legendario guitarrista Jeff Beck) Michael Parker, Ron Maldonado, Deacon Jones y hasta el mismìsimo John Lee Hooker quièn le pone voz a "People don`t care". Entre los invitados de la ecscena nacional, el trabajo cuenta con las participaciones de Michel Peyronel, Botafogo, Peteco Carabajal, Juanse, Black Amaya y celeste Carballo, entre otros.

De entre las composiciones màs heavys , no podemos dejar pasar los temas "Solo en este mundo" con unos pasajes de guitarras muy heavy metal en su final y por su puesto "Yo me quedo con Lucy" con una letra muy interesante y un riff màs interesante aùn... Quizàs el punto màs alto del disco sea (y a pedir del blog) "Blues para mi guitarra", un blues lleno de swing. Es con esta muestra de talento que la gente se dà cuenta de la pasiòn inagotable que tenìa Pappo por su amado instrumento."Paramount souffle" otro gran logro en cuanto a la improvisaciòn en banda. El tema màs sorprendente y "volado" es "Duendes" un tema orquestado y mitad acùstico.

En cuanto a los temas que màs sonaron de este volumen diremos que fueron "Tren Azul" , "Ruta 66" y "Tomè demasiado" con la participaciòn de Juanse en guitarra.

Lista de temas:

1. Tren azul
2. Ruta 66
3. Solo en este mundo
4. Yo me quedo con Lucy
5. Blues para mi guitarra
6. Castillos mágicos españoles
7. Algunos deslices
8. People Don't Care
9. Paramount souffle
10. Penetieso blues
11. P.B.A. Boogie
12. Duendes
13. Perro en la vereda
14. Tomé demasiado

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Blues para mi guitarra




 Discos disponibles:

 1995 - Pappo`s Blues Volumen 8 "Caso Cerrado"
 2000 - Pappo & Amigos

martes, 30 de marzo de 2010

Carlos Gardel - Eran Otros Hombres (Su Obra Integral Vol. 5)

Más y más historias, confesiones,romances, aventuras y desventuras de pungas y malevitos para esta nueva entrega de "el zorzal criollo", el volumen V "Eran otros hombres" .

De entre las mejores porciones de esta entrega no podemos dejar pasar la "Milonga Sentimental" de Homero Manzi con su pegajoso estribillo. Un tanto como para demostrar la sinceridad(desmedida) de "los hombres de antes", se nos presenta la "Cofesión" de Enrique Santos Discepolo.

Otra muestra de historia de malevaje en estado puro puede ser la historia relatada en "La Gayola" donde el personaje en cuestiòn recuerda su largo tiempo encerrado en la gayola (càrcel) tras un asesinato. Otro personaje que fuè a tambièn a parar a La Gayola es el de "Araca Corazòn".

Y por su puesto tenemos el ejemplo del mujeriego empedernido en "Si Soy Asì" donde se deja escuchar un gracioso coro por detràs. Y tampoco falta el ejemplo del mentiroso en "As de Cartòn". Un sujeto que engrupìa a sus amigos con falsas proezas, hasta que es delatado por "un veterano".

Lista de Temas:

01 Ventarròn
02 Milonga sentimental
03 Confesiòn
04 Mi noche triste
05 ¿Por que soy reo?
06 Del barrio de las latas
07 La gayola
08 Tarde gris
09 Malevaje
10 Araca corazòn
11 Bailarin compadrito
12 Viejo smoking
13 Si soy asi
14 As de carton
15 Mocosita
16 Ofrenda maleva
17 El barbijo
18 Milonga del 900


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Su Obra Integral:

Volumen I: "Su Buenos Aires Querido"
Volumen II: "Amores Difíciles"
Volumen III: "Gardel en Barcelona"
Volumen IV: "Las Mujeres Aquellas"
Volumen V: "Eran Otros Hombres"
Volumen VI: "Anclao en Parìs"
Volumen VII: "Gardel en Nueva York"
Volumen VIII: "Garçonnière, carreras, timba... "
Volumen IX: "Criollita Decí Que sí"
Volumen X: "Gardel Por El Mundo"
Volumen XI: "Pobres Chicas"
Volumen XII: "Aquellas Farras"
Volumen XIII: "Cuídense Porque Andan Sueltos"
Volumen XIV: "Tomo Y Obligo"

lunes, 15 de marzo de 2010

Atahualpa Yupanqui - Camino del Indio (1942-1944)

Los primeros éxitos del padre de nuestro folklore, dieron lugar a el presente "Camino del Indio". Estas son grabaciones encontradas, grabadas en Buenos Aires entre 1942 y 1944.

Aqui se juntan un puñado de composciciones de variados estilos, a saber: los tradicionales baguala,vidala, gato o zambas. Así, también, como tratando de traducir los misteriosos silencios
del altiplano encontramos formas como la canción andina, el preludio andino, el carnavalito Juleño o la canción Puneña.

A continuación algo escrito por Roberto Daus:

En la figura ya legendaria de Atahualpa Yupanqui se resumen todas las virtudes del arte musical de la américa latina profunda. Ese continente habitado por gentes de piel cobriza que se identifican con el astro que dá vida a la "Pacha Mama" (madre tierra en voz quechua) y con los nobles metales que guardan celosamente en sus entrañas las altas costumbres andinas. Un continente con noches de plata, tintadas por una luna compañera y confidente de la soledad de los arrieros.

Como ningún otro artista, Atahualpa Yupanqui, supo conjugar los silencios milenarios del altiplano con los frescos sonidos de las llanuras pampeanas. Su guitarra y su voz fueron los instrumentos elegidos para plasmar su sensibilidad de hombre conocedor de los sentimientos de sus congéneres y comprometido con una realidad circundante que no siempre responde a las pautas de justicia que reclamamos como propias.

En el espíritu de Atahualpa Yupanqui, sus coplas nunca persiguieron el lucimiento académico, según sus propias confesiones, aspiraban a ser simplemente comentarios de fogones, melodías que se fundieran en los infinítos paisajes serranos.

A través de su sobrio decir, las piedras adquirieron voz, los caminos transportaron esperanzas y los cañaverales entonaron su sinfonía mas exquisita. Atahualpa Yupanqui sembró las llanuras y los cerros de regios sonidos intemporales que ya forman parte del grabe paisaje latinoaméricano.

Lista de temas:

1. Camino del Indio - Canción Andina
2. Malambo - Ritmo Tradicional
3. Viento, Viento - Canción Andina
4. Una Canción en La Montaña - Baguala
5. Camino en los Valles - Canción
6. El Kachorro - Gato
7. Piedra y Camino - Zamba
8. Vidala del Silencio - Preludio Andino
9. Me Voy - Vidala
10. Huajra - Carnavalito Juleño
11. Carguita de Tola - Canción Puneña
12. La Viajerita - Zamba


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Discos disponibles:

viernes, 8 de enero de 2010

Bob Dylan - Highway 61 Revisited (1965)



Entrada la segunda mitad de los años 60´s, el folk rock de protesta y las habituales dósis de R&B de Dylan decidieron darle rienda suelta a la electricidad y a tomar ese sonido de "mercurio".
En este álbum se daría el último paso en la búsqueda de ese sonido, que terminaría de asentarse definitivamente en el siguiente trabajo: "Blonde on blonde" en 1966.

Highway 61 Revisited es el primer trabajo de Dylan grabado completamente con banda y uno de los más influyentes para la música contemporánea. El mismo declaró que es uno de sus discos favoritos.

Gracias a grandes éxitos como la fundamental "Like a Rolling Stone", alcanzó el puesto #3 en las listas de Billboard y el #4 en el Reino Unido, mientras que el mismo tema alcanzó el puesto #2 en las listas americanas y el #4 en las británicas.
El nombre del disco evoca el lugar de nacimiento de Dylan, la autopista 61 se extiende desde Nueva Orleans, Luisiana, hasta Memphis, Tennessee, así como desde Iowa hasta la frontera con Canadá, pasando por Duluth, Minnesota.

En cuanto a la obertura de el disco, es una de las mejores canciones de todos los tiempos, "Like a Rolling Stone" ,según la leyenda, habla de una acólita de Andy Warhol llamada Eddie Sedgwick. La canción en cuestión enaltece el sentido de la frase o leyenda que culpa a Dylan de ser el "destructor del folk", con todo el "punch" de la letra y el organo enchufado de Kooper. La tocó por primera ves en público el sábado 25 de Julio de 1965 en el Newport Folk Festival. En esa controversial presentación donde el público lo abucheó estupidamente al verlo que se presentaba con banda. Tal fué su enojo que no volvería a presentarse en ese festival sino hasta 2002.El tema (al igual que otros tantos de Dylan) fué interpretado por un sinúmero de artistas y bandas de diferentes estilos. Algunos: Jimi Hendrix, Bob Marley o los mismos Rolling Stones.

El pulso blusero acelerado de "Tombstone Blues" deja entrever su costado surrealista en las letras con frases como: "... el sol no es amarillo, es pollo...". Otra buena composición es "Ballad of a Thin Man". Su misterio, su cadencia a paso lento, su instrumentación parece inmejorable. Refleja un sueño o el leve recuerdo de la noche anterior tras una resaca, parece muy irónica y fantástica.

Aquel avance que mencionabamos hacia lo eléctrico sin dudas se presenta en canciones como "From a Buick 6", "Just like Tom Thumb´s Blues" o la misma "Highway 61 Revisited". No abandonaría por completo su lado acústico, el disco cierra con la extensa "Desolation Row", como para cerrar un disco que estallaba de ideas. Aquí Dylan explica (en retrospectiva) los inminentes cataclismos de los años 60, evocando una temporada en el infierno a la manera del pintor holandés Hieronymus Bosch.

Un dato gracioso: la sirena de jugete que se escucha en "Highway 61 Revisited" era la forma en que el tecladista Al Kooper controlaba las sesiones de grabación, decía: "Si alguien se empezaba a drogar, yo me iba al rincón opuesto de la habitación y simplemente arrancaba con mi whooooooooooooooooooooo!!!."

Más abajo un video de una alocada presentación en 1966. El tema? obviamente "Like a Rolling Stone". Y ya que estamos la versión de Jimi Hendrix en el Monterrey Pop Festival de 1967 y por que no el video de los Stones de la epoca de Stripped??

Lista de temas:

1. Like a Rolling Stone
2. Tombstone Blues
3. It Takes a Lot to Laugh, It Takes a Train to Cry
4. From a Buick 6
5. Ballad of a Thin Man
6. Queen Jane Approximately
7. Highway 61 Revisited
8. Just Like Tom Thumb's Blues
9. Desolation Row

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Más de Bob Dylan:

1965 - Highway 61 Revisited
1966 - Blonde On Blonde
1969 - Nashville Skyline
1970 - Self Portrait
1975 - Blood On The Tracks
1981 - Shot of Love
2006 - Modern Times